Beluister de aflevering op Apple Podcasts, Spotify, bewolking, iHeart, SpelerFM, Podchaser, Boomplay, Inschakelen, Podbean, Google Podcasts, Amazon Music, of op je favoriete podcastplatform.

Lees de shownotities

[0:02] BW: Welkom terug bij Pixels en Paint. Ik ben heel blij om de gast, animator, ontwerper, schilder en schrijver van vandaag, Leo Crane, te hebben. Leeuw, welkom.

[0:16] LC: Bedankt dat je me hebt, Brady. Leuk je te ontmoeten.

Van Art Adjacency tot Animation Mastery

[0:20] BW: Evenzo, Leo. Kun je jezelf voorstellen aan ons publiek dat misschien niet bekend is met je werk?

[0:31] LC: Natuurlijk wil ik hallo zeggen tegen Julian, die me aan jullie heeft voorgesteld. Ik ben een artiest en filmmaker die begin 2021 NFT's adopteerde, nadat ik had geoefend op het snijvlak van fysieke en digitale media. Ik run een studio in Zuid-Londen, met name in Crystal Palace. Het is een site met een rijke geschiedenis, waar 's werelds grootste wonderen te vinden zijn die helaas zijn afgebrand. Desondanks behoudt het nog steeds een gevoel van creativiteit en industrie. Samen met mijn man, Roy Joseph Butler, die mijn creatieve partner en mededirecteur van de studio is, maak ik films, stel ik tentoonstellingen samen en geef ik les aan verschillende instellingen, waaronder het V&A Museum, Sotheby's Institute of Art, British Library en de lokale gemeenschap. centra. De combinatie van gemeenschap, creativiteit, industrie, commercie en samenwerking is een essentieel onderdeel van mijn praktijk. Daarom fascineren Web3 en Maker's Place mij zo; ze stellen me in staat om mijn werk naar een nieuw niveau te tillen.

[2:11] BW: Je begon met een animatiemasterprogramma toen je 33 was. Wat deed je daarvoor?

[2:18] LC: Ja, je hebt je onderzoek gedaan. Ik ben altijd bezig geweest met kunst, optreden als acteur, schrijven, keramiek maken. Ik week echter af van kunst vanwege het stereotype van de 'uitgehongerde kunstenaar' en waagde me in aangrenzende velden. Ik werkte in musea en culturele ruimtes, waar ik me bezighield met PR, fondsenwerving en bedrijfsstrategieën. Ik heb zeven jaar doorgebracht in het Victoria and Albert Museum, het Britse National Museum of Art and Design, misschien wel het grootste museum voor kunst en design ter wereld. Het herbergt een breed scala aan artefacten, variërend van oude Chinese keramiek tot meesterwerken uit de Italiaanse renaissance, tot aan de allernieuwste mode en een uitgebreide digitale collectie die teruggaat tot de jaren vijftig. Tijdens mijn tijd daar werkte ik aan een interactieve digitale tentoonstelling genaamd Decode, die door China en Israël toerde. Deze ervaring, in combinatie met het ontmoeten van innovatieve artiesten, inspireerde me om animatie na te streven. Ik waardeerde hoe het beeldende kunst, performance, muziek en technologie combineert. Als gevolg hiervan verliet ik mijn baan en huis, gaf ik al mijn spaargeld uit en schreef ik me in voor een masterprogramma aan de universiteit van Bournemouth.

Evenwicht tussen digitale en traditionele kunst

[5:00] BW: De V&A lijkt een ideale plek voor iemand zoals jij om je vaardigheden aan te scherpen. Ik ben benieuwd hoe blootstelling aan verschillende kunstvormen en periodes jouw kunst heeft beïnvloed. Vandaag bespreken we bijvoorbeeld The Masterpiece of Tamagata. Het vertelt het verhaal van iets ouds met behulp van moderne technologie, zoals aquarelanimatie op computers. Er is een fascinerende balans in je werk tussen klassieke invloeden en technologie. Maar ik wil het ook hebben over je tekenpraktijk. Mijn onderzoek suggereert dat je pas serieus begon te tekenen toen je 36 was, klopt dat?

[6:25] LC: Eigenlijk was ik 39 toen ik in 2016 echt in tekenen dook. Ik deed al eerder losse tekeningen, waarbij ik profiteerde van drop-in life tekenworkshops die beschikbaar zijn in Londen. Ondanks dat ik een fulltime baan had, kon ik na het werk naar een kamer boven een pub gaan, een biertje pakken en een paar uur tekenen. Maar het was rond deze tijd dat ik mijn animatiestudio oprichtte, direct na mijn masteropleiding. Ik wilde niets te maken hebben met de uitbuitende animatie-industrie die ik zag, waar mensen onderbetaald en overwerkt werden. Dus begon ik digitaal merkwerk te doen voor een groot bedrijfsmerk. Na ongeveer drie jaar merkte ik dat ik verlangde naar meer tastbaar, structureel menselijk contact met het materiaal. Ik was klaar met digitale animatie, dus begon ik tekenen en schilderen serieuzer te nemen.

Dat is ook rond de tijd dat ik mijn toekomstige echtgenoot ontmoette, die toevallig een levensmodel was. Ja, we hebben elkaar ontmoet terwijl hij naakt poseerde in het midden van een salon. Hij werkte destijds met een artiest genaamd Maggie Hambling, een afvallige artiest uit de jaren '60 en '70. Ze heeft een enorme invloed op me gehad, daagde uit wie kunst mag maken en afgebeeld mag worden. Door haar en mijn man ben ik serieus gaan schilderen en tekenen, meestal met houtskool en olieverf, werkend naar het leven.

Daarna werd ik geselecteerd voor een tv-talentenjacht, 'Portretkunstenaar van het jaar', waar we live schilderden. Het was zenuwslopend, maar ook een geweldige kans om mijn kunst serieus te nemen. Nadat ik het goed deed op de show, begon ik opdrachten te krijgen en optredens voor portretschilderen. Toen merkte ik dat ik het digitale aspect van kunst miste, wat me ertoe bracht de twee te combineren tot wat ik nu doe.

[10:29] BW: Dat is nogal een reis. Als iemand die al mijn werkuren op een computer doorbrengt en er het meeste van mijn creatieve werk op doet, ben ik enigszins jaloers.

[10:51] LC: Ik ben dol op computers en breng er veel tijd voor door. Ik waardeer echter de mogelijkheid om weg te gaan en fris terug te komen. Daarom heb ik twee studio's: een voor computerwerk en een voor schilderen. Ik kan tussen de twee wisselen, afhankelijk van mijn humeur of deadlines.

[11:17] BW: Het klinkt gunstig om de twee ruimtes gescheiden te hebben, het moet een mentale verschuiving teweegbrengen wanneer je de kamer binnenloopt zonder computers en niet wordt afgeleid door digitale apparaten.

[11:33] LC: Absoluut, en er is geen risico dat er aquarellen op de computers worden gemorst.

De invloed van Betty Misheiker

[11:36] BW: Een geldig punt. Veranderende onderwerpen, kun je me iets vertellen over Betty Misheiker?

[11:50] LC: Betty Misheiker was een Zuid-Afrikaanse kinderboekenschrijfster die begon met schrijven in de jaren '1950 en '1960. Ze was erg productief en de meeste kinderen die in die tijd in Zuid-Afrika opgroeiden, luisterden waarschijnlijk voor schooltijd naar haar verhalen op de radio, omdat er altijd een liedje in zat. Ze schreef tijdens haar leven ongeveer 2000 verhalen, die allemaal op één na als boek werden gepubliceerd. Dit is het verhaal dat me naar haar leidde.

Helaas stierf ze voordat we elkaar konden ontmoeten, maar haar dochter, Ilona Misheiker, nu Ilona Suschitzky, woonde een animatieworkshop bij die ik leidde. Ilona drong aan op het animeren van een sequentie uit het niet-gepubliceerde verhaal van haar moeder, dat Betty haar had geschonken voor haar 16e verjaardag. Na de workshop deelde Ilona het belang van dit verhaal en haar levenslange inspanningen om het tot leven te brengen. Aanvankelijk weigerde ik te helpen en bood aan haar mijn opstelling te laten zien, zodat ze beter kon begrijpen wat animatie inhoudt. Het verhaal bleef me echter achtervolgen. Na overleg met Roy, mijn partner en een scenarist, besloten we er een animatiescript van te maken. Dus vanaf januari 2020 werd Betty Misheiker een integraal onderdeel van ons leven.

[14:53] BW: Betekende je onderzoek dat je veel andere verhalen van Betty Misheiker las? Wilde je haar stem vangen in je bewerking?

[15:06] LC: We hebben ons voornamelijk gericht op het ene verhaal. We waren ervan overtuigd dat Ilona, ​​die mede-regisseur is van de film die we maken, de stem van haar moeder adequaat zou kunnen weergeven en ons indien nodig naar authenticiteit zou kunnen leiden.

Van apartheid tot kunst: het verborgen verhaal achter 'Het meesterwerk van Tamagata'

[15:33] BW: Uw website geeft aan dat het verhaal van "The Masterpiece of Tamagata" te riskant werd geacht om vrij te geven toen het aanvankelijk werd geschreven. Kunt u mij vertellen waarom het als gevaarlijk werd gezien?

[15:42] LC: "The Masterpiece of Tamagata" is een diep emotionele allegorie die geworteld is in de realiteit van apartheid in Zuid-Afrika, een tijd van extreme maatschappelijke verdeeldheid op basis van ras. Betty Misheiker, een blanke joodse vrouw, en haar gezin, waaronder een jonge zwarte vrouw die bij hen woonde, stonden voor een moeilijke situatie. De jonge vrouw raakte zwanger en mocht vanwege strenge apartheidsregels haar baby niet bij zich houden in het wit aangewezen gebied.

De familie Misheiker kon de gedachte om moeder en kind te scheiden niet verdragen, dus besloten ze de baby in huis te verstoppen. De babyjongen, die even oud was als Ilona, ​​de dochter van Betty, groeide op in haar slaapkamer. Binnen het huis wisten ze de schijn van een harmonieus, multiraciaal gezinsleven te behouden. Naarmate de jongen groeide en de behoefte aan school op handen was, werd de situatie echter onhoudbaar. Het gezin moest uiteindelijk uit elkaar gaan, waarbij de moeder en het kind weggingen zodat de jongen kon opgroeien in een omgeving die zijn leven niet in gevaar zou brengen.

Er wordt aangenomen dat Betty "The Masterpiece of Tamagata" schreef als een middel om deze ervaring te verwerken. Openlijk schrijven over apartheid in Zuid-Afrika had haar echter in de gevangenis kunnen doen belanden en het leven van de jongen en zijn moeder in gevaar kunnen brengen, vandaar dat het verhaal verborgen bleef. Nu de maatschappelijke verdeeldheid wereldwijd toeneemt, lijkt het relevanter dan ooit om het te delen.

[19:58] BW: Bleef Ilona een relatie onderhouden met de vrouw en jongen die vertrokken?

[20:06] LC: Dat is een deel van het verhaal dat het best verteld wordt door Ilona. Ik kan echter wel zeggen dat je door je bezig te houden met 'The Masterpiece of Tamagata' de emotionele reis van het verhaal kunt ervaren zonder je te verdiepen in de details van de real-life gebeurtenis. Er zit een unieke kracht in een allegorie die mensen in staat stelt om hun eigen ervaringen en interpretaties aan het verhaal toe te voegen.

[20:57] BW: Inderdaad, allegorische literatuur, zoals "The Metamorphosis", staat unieke, persoonlijke interpretaties toe, en ondanks dat het bijna een eeuw is verstreken sinds het werd geschreven, spreekt het nog steeds tot individuen op een manier die voor hen een unieke betekenis heeft .

[21:26] LC: Absoluut. De manier waarop mensen reageren op "The Masterpiece of Tamagata" is verbazingwekkend. Ik heb een bijzondere band waargenomen binnen de homogemeenschap en tussen individuen die zich gemarginaliseerd voelen door de reguliere samenleving, die vaak interne fantasieën creëren als een vorm van ontsnapping. Dit werd nog versterkt tijdens de COVID-pandemie.

Toen we dit verhaal voor het eerst presenteerden tijdens de Mayfair Art Week in Londen, hebben we een boetiekwinkel, die helaas failliet ging vanwege de pandemie, omgebouwd tot de wereld van Tamagata. We hadden een toneelmodel van zijn huis en projecties van vliegende vogels en bomen die werden geschilderd. Ondanks dat we maar een paar seconden animatie hadden, konden we het verhaal vertellen en de respons was overweldigend.

Er is een oppervlakkig verhaal over een stel dat geen kinderen kan krijgen, een trieste realiteit voor velen, waaronder ikzelf, die een onmiddellijke band bevordert. Maar afgezien daarvan resoneert het verhaal met degenen die de behoefte voelen om aan de wereld te ontsnappen en een plek te vinden waar ze comfortabel kunnen bestaan ​​volgens hun eigen principes van goed en kwaad, liefde en geluk. Het feit dat we allemaal het vermogen hebben om die wereld in onszelf te creëren, of dat nu is door te schilderen, een metaverse te creëren of door onszelf onder te dompelen in muziek of poëzie, is iets heel krachtigs.

Combineren van traditionele en digitale kunsttechnieken

[23:51] BW: De schoonheid van de film is absoluut opvallend, vooral gezien het feit dat het allemaal met de hand geschilderde waterverf is. Kunt u het proces en de duur achter dit ingewikkelde werk toelichten?

[24:12] LC: Zeker, en bedankt. We gebruikten zowel traditionele als digitale technieken zonder de ene boven de andere te verkiezen. We wilden Japanse inkt gebruiken omdat de hoofdpersoon van het verhaal een schilder is. Dus wijdden Ilona en ik twee jaar aan het leren van de traditionele kunst van Sumi-e-schilderen. Ondanks de zware taak voelde het noodzakelijk om het eigenlijke werk te doen, hoewel schilderen met inkt een andere vaardigheid is dan waterverf.

We hadden het geluk om te leren van een meesterleraar, Kami Lucas, hier in het VK. Ze leidde ons door traditionele oefeningen en we hebben deze vervolgens aangepast voor animatie. Om subtiele nuances in gezichtsuitdrukkingen vast te leggen, introduceerden we digitaal tekenen met behulp van een sponsoring van TVPaint. Een deskundige animator, Natasha Settle, die afstudeerde aan het Royal College of Art, leidt de digitale kant.

We wilden twee contrasterende werelden tot uitdrukking brengen: de wereld van de Shogun - een mannelijk, gestructureerd, gevaarlijk rijk - en de fantasie van de schilder - een vrouwelijk, vrij, uitgestrekt universum. Om dit te bereiken, wordt de wereld van de Shogun afgebeeld met statische, spaarzame schilderijen, terwijl momenten van emotionele onrust of fantasie worden weergegeven door inkt die zich door water verspreidt.

Het maken van deze waterscènes was een uitdagende taak, vooral omdat ik moest uitzoeken hoe ik door glas en water moest filmen om inktdruppels vast te leggen. Aanvankelijk moest ik al mijn foto's weggooien vanwege reflecties die verschenen toen de inkt het water donkerder maakte. Nu werken we samen met een ervaren cameraman die toevallig de echtgenoot van Ilona is. Op zijn cv staan ​​werken als 'Return of the Jedi' en 'Rocky Horror Picture Show', en hij helpt ons enkele sequenties voor de film te filmen. Ons kleine passieproject heeft een aantal toptalenten uit Hollywood aangetrokken.

[28:57] BW: Dat is een ongelooflijk gelukkige verbinding. Het vinden van dergelijk talent zou anders veel moeilijker zijn geweest.

[29:04] LC: Inderdaad, dat had het kunnen zijn.

Traditie en innovatie harmoniseren: opera in de NFT-ruimte

[29:06] BW: Ik wil graag het stuk "L'amoure rebelle" bespreken. Ik denk dat het boekdelen spreekt over jou als artiest. Kun je uitleggen waarom dit stuk bestaat en wat het vertegenwoordigt?

[29:27] LC: Absoluut. "L'amoure rebelle" was mijn doorbraakmoment in de Web 3-ruimte. Aanvankelijk begon ik met het slaan van reeds bestaande aquarelanimaties, maar dit stuk is volledig binnen het NFT-rijk geboren. Het zou anders niet bestaan.

Ik herinner me dat ik in 2021 in een Londense bus zat en deelnam aan een Clubhouse-chat. Een nieuwe deelnemer kondigde aan dat ze operazangeres was, wat fascinerend was - een samensmelting van traditionele en digitale rijken. Dit leidde tot het idee om traditionele visuele en muzikale praktijken te combineren met geavanceerde technologie. Ik wilde het potentieel van NFT's demonstreren in gebieden buiten de mainstream. Mijn gedachte was: als je NFT's op opera kunt toepassen, kun je ze op alles toepassen.

Mijn medewerkers, Miranda en Zach, hadden al gewerkt aan het herschikken van beroemde aria's om als NFT's te droppen, maar stonden voor uitdagingen vanwege het ontbreken van een platform voor alleen muziek op dat moment. Omdat ze geen beeldend kunstenaars waren, kwam ik tussenbeide. We maakten eerst een teststuk genaamd "Ethel Shultz", dat succesvol was. We hebben toen volledig geïnvesteerd in een opera NFT gebaseerd op Carmen's aria 'Habanera'.

De aria spreekt over liefde als een rebelse vogel, die we zagen als een metafoor voor technologie en Web 3 - de constante aanwezigheid, de ergernis en toch de ongrijpbare aard wanneer je het probeert te vatten. We transformeerden deze aria tot een metafoor voor onze digitale wereld en brachten een teaser uit als NFT. Dit trok de aandacht van sommige mensen in LA, wat leidde tot de allereerste live opera NFT. De uitvoering omvatte muzikanten van het LA Philharmonic, couturier Rami Kadi en animaties van houtskooltekeningen. Elk intiem optreden bood een unieke meeslepende ervaring.

De meeslepende kracht van live optredens

[33:34] BW: Dat is mooi. Dit stuk spreekt me aan over jou. In een interview in 2020 noemde u uw fascinatie voor de frictie tussen traditioneel vakmanschap en nieuwe technologie. Ik zie dat in je werk, hoe je oud en nieuw balanceert, zoals het gebruik van een klassieke opera in een moderne context. Het is met de hand getekend, maar de postproductie gebeurt op een computer en het wordt geslagen op blockchain. Je voegt daar een live meeslepende performance aan toe, die sommigen zouden kunnen zien als een opgraving van cryptokunst. Het lijkt erop dat je het leuk vindt om de lijn tussen deze werelden te bewandelen. Dus, verlang je wel eens naar eenvoud?

[35:29] LC: Als je mijn ouders of broers en zussen zou kennen, zou je begrijpen dat het kiezen van de gemakkelijke weg niet echt in onze genetische samenstelling zit. Geloof me, ik heb geprobeerd dingen te vereenvoudigen. Maar als mijn werk niet iets nieuws en anders is, als het niet bedoeld is om het medium vooruit te helpen of het publiek iets nieuws te laten beleven, dan zie ik het nut er gewoon niet van in. Als mijn doel commercieel succes was geweest, had ik een ander carrièrepad gekozen. Wat ik leuk vind, is spelen met creativiteit en ontdekken wat het betekent om mens te zijn.

Het meeslepende aspect is belangrijk voor mij. Ik heb een achtergrond in live theater en ik heb altijd geworsteld met puur digitale ervaringen. Daarom was het een no-brainer toen de kans zich voordeed om L'amoure Rebelle live op te voeren. Vervolgens hebben we op de Non-Fungible Conference in Lissabon de opera in een enorme zaal geprojecteerd. Het was een geweldige ervaring om het digitale en fysieke te combineren, zowel in het productieproces als in de uiteindelijke uitvoering.

[38:20] BW: Ik heb wat foto's en video's gezien van die installatie in Lissabon. Ik wou dat ik erbij had kunnen zijn.

[38:30] LC: Het was ongelooflijk. Het was een eersteklas NFT-conferentie.

[38:36] BW: Je noemde William Kentridge als inspiratie voor L'amoure Rebelle. Hoe belangrijk is hij geweest voor uw werk?

[38:49] LC: Ik heb diepe bewondering voor William Kentridge. Er zijn veel parallellen in onze carrières. Hij begon in het theater, net als ik, en ging via houtskooltekenen naar filmmaken en opera. Hij is uniek in wat hij doet, met name zijn combinatie van bewegende en stilstaande beelden, performance en muziek. Er zijn niet veel artiesten op zijn niveau die hetzelfde doen. Dus hoewel ik inspiratie vind in het werk van veel getalenteerde kunstenaars in mijn gemeenschap, zou Kentridge een van de meest inspirerende zijn als ik denk aan een grote tentoonstelling in een grote nationale instelling.

Snijpunten van dans, theater en animatie

[40:11] BW: Over inspiratie gesproken, een andere persoon die we allebei bewonderen is Pina Bausch. U noemde haar als inspiratiebron voor 'The Library', uw korte film. Kunt u dat nader toelichten?

[40:37] LC: Mijn moeder werkte met Pina Bausch, dus ik had het geluk haar te zien dansen. Toen ik een kind was, zag ik "Café Müller" in Londen, waar ze danste, en het resoneert nog steeds met mij, bijna 40 jaar later. Haar gebruik van herhaling in beweging, waarmee ze een verhaal opbouwt, lijkt vooral relevant voor animatie. Aangezien animatie arbeidsintensief is, is zuinig zijn en hergebruik van elementen van cruciaal belang, vandaar het gebruik van lussen, loopcycli, enz. Dit bracht me ertoe te experimenteren met lussen en herhaalde acties om een ​​verhaal te ontwikkelen, en Pina Bausch was daarvoor een grote inspiratiebron . Voor degenen die niet bekend zijn, ze was de oprichter van Dance Theatre for Batal, een iconisch experimenteel modern dansgezelschap. Ze overleed zo'n tien jaar geleden en wordt erg gemist in de wereld van dans en theater.

Een andere inspiratiebron was Samuel Beckett, die een algoritmisch script schreef voor een toneelstuk met robots. Zijn werk liet zien hoe onze menselijke natuur een verhaal op de eenvoudigste acties legt. Het gebruik van herhaling door Pina Bausch en Beckett in verschillende contexten, naast mijn eigen ervaringen in live optredens, waar elke herhaalde uitvoering uniek is, vormde de basis voor mijn werk. Ik streef ernaar om die live-vonk in de vooraf weergegeven wereld van animatie te brengen, en het was ongelooflijk nuttig om het werk van Bausch in gedachten te houden.

[43:38] BW: Ik raad kijkers aan om de Wim Wenders-documentaire over Pina Bausch te bekijken. Ik had het geluk om hem in 3D in de bioscoop te zien. Ik heb haar nooit live zien optreden, maar ik heb wel haar gezelschapstournee in Brooklyn gezien, wat opmerkelijk was. Ik ben verrast om over dit stuk van Beckett te horen, aangezien hij een van mijn favorieten is.

[44:06] LC: Het is niet zo bekend. Ik weet niet eens zeker hoe ik het heb gevonden of hoe het heet, maar het bestaat uit een paar regels tekst en een diagram, een gids voor herhaalde bewegingen van A naar B, B naar C, enzovoort, tot in het oneindige.

[44:24] BW: Dit doet me denken aan Beckett's "Malloy", waar het personage minutieus stenen van zak naar zak verplaatst om de hele dag in evenwicht te blijven. Ik wil graag de aandacht vestigen op 'The Library', een geweldige korte film die je hebt gemaakt. Het is een prachtige, stille dans waarbij de aantrekkingskracht op een vreemde groeit terwijl je ze van een afstand observeert, een dans van emoties die we waarschijnlijk allemaal hebben meegemaakt. Ik raad iedereen ten zeerste aan om het eens te bekijken.

[45:52] LC: Dat was mijn afstudeerproject. In opdracht van de London Library heb ik een week lang lezers geobserveerd en hun heimelijke blikken naar elkaar vastgelegd. De personages zijn gebaseerd op echte mensen en hun verhalen over onderdrukte verlangens in de bibliotheek. Ik denk dat de slogan is "bibliotheeketiquette versus vleselijke verlangens."

[46:43] BW: Je runt een studio, Figuration, met je man Roy Joseph Butler, die in veel van je werken voorkomt, zoals "Being". Kun je me meer vertellen over je creatieve dynamiek?

[47:06] LC: Onze dynamiek is heel natuurlijk. We bespreken altijd ideeën, en als er een project opduikt, hebben we de collectieve vaardigheden om het te ontwikkelen tot het punt waarop we kunnen pitchen voor financiering. We verkennen vergelijkbare verhalen, maar we zijn ook individuele makers. Hij schrijft voor anderen en ik animeer voor anderen, wat prima werkt voor ons. Wat Roy mij heeft geleerd is om de co-creatie van een kunstwerk te waarderen. Het gaat niet alleen om de kunstenaar die de sporen op het doek maakt. De oppas, de producent of een andere betrokkene kan het stuk beïnvloeden. Dit is waar Web 3 spannend is. Wanneer u in NFT's investeert, koopt u in op de creatie en het leven van het project en neemt u deel aan co-creatie.

[50:23] BW: Ik heb met tal van artiesten gesproken over samenwerking – wat maakt het goed, wat maakt het slecht. Wat ik consequent heb gehoord, is dat als de samenwerking iets is dat je zelf had kunnen doen, het frustrerend kan zijn. Als je dezelfde vaardigheden of vergelijkbare stijl hebt als je partner, kan dit spanning creëren terwijl je wacht tot dingen bij je terugkomen. Dit kan bij statische beeldende kunst anders zijn dan bij animatie en storytelling, waarbij een doorlopend gesprek met een grotere diepgang vereist is. Maar ik ben benieuwd naar de complementaire of contrasterende vaardigheden die jij en Roy inbrengen in jullie samenwerkingen?

[51:24] LC: Nou, Roy zou zeggen dat hij niet kan tekenen, hoewel ik het daar misschien niet mee eens ben. Maar we hebben verschillende voorkeuren in een project en die smelten heel natuurlijk samen. In de bredere context van samenwerking hangt het af van de aard van het project of u andere of vergelijkbare vaardigheden nodig hebt. In de wereld van filmperformance of muziek heb je vanwege de enorme hoeveelheid werk vaak meerdere teams nodig. Je moet op dezelfde golflengte zitten, dezelfde stijl volgen en in harmonie werken om het te laten werken. Dus soms moet je hetzelfde zijn, soms anders. Wat een samenwerking doet werken, is hoe je de verwachtingen van mensen over hun rol definieert en beheert.

Economische realiteit van een kunstcarrière

[52:35] BW: Laten we een beetje van richting veranderen in dit interview. Naast je te leren kennen, wil Pixels and Paint ook ons ​​publiek helpen bij het navigeren door hun kunstcarrière. Dus in die geest heb ik een paar vragen voor je, als je een game bent. Je bent een experimentele animator met werk dat zich vaak richt op queer-thema's en naaktheid bevat. Hoe verdien je geld?

[53:16] LC: Een tijdje geleden besloot ik niet te proberen alleen geld te verdienen met mijn eigen kunst. Dit is misschien controversieel, maar ik denk niet dat veel kunstenaars het overleven als ze alleen de kunst maken die ze willen maken. Ik heb een commerciële praktijk gehad die in opdracht werkte, werkte als een bureau dat kunst voor merken creëerde, maar niets van dit alles vervult mijn artistieke ambities. De enige manier waarop ik heb ontdekt dat ik vrij genoeg ben om te creëren wat ik wil, wat geen product is, is door te diversifiëren. Ik geef les, schrijf boeken, geef gastcolleges, spreek op evenementen en werk als adviseur voor non-profitorganisaties. Deze aanpak biedt de flexibiliteit om me te concentreren op mijn kunstpraktijk wanneer dat nodig is. Het heeft natuurlijk jaren gekost om een ​​klantenportefeuille op te bouwen die dit levensvatbaar maakt. Nu, zelfs als ik de kunst maak die ik wil, zorg ik ervoor dat ik er geld voor krijg. We hebben een aanzienlijk bedrag opgehaald voor ons huidige project, voornamelijk om de betrokkenen te betalen. Ik vraag nooit iemand om gratis aan een project te werken, tenzij ze er eigen vermogen in hebben. Ik wil niets toevoegen aan de uitbuiting in de kunstwereld. Deze financiering komt uit verschillende bronnen, waaronder overheidsinstanties zoals de Arts Council, Engeland, de particuliere sector en NFT's. Over het algemeen zorg ik ervoor dat ik genoeg regelmatig inkomen heb uit werk buiten mijn creatieve praktijk om mezelf te onderhouden. Door lesgeven kan ik bijvoorbeeld continu nadenken over waarom ik doe wat ik doe. Het verfrist mijn perspectief voor mijn volgende project.

Creatieve carrièreopbouw

[57:57] BW: Ja, het lijkt erop dat lesgeven een geweldig leermiddel is. Denk je dat er een creatief proces is om een ​​creatieve carrière op te bouwen?

[58:14] LC: Dat is een goede vraag. Het antwoord moet ja zijn. Creativiteit heeft alles te maken met experimenteren en voortdurend streven naar het vinden van nieuwe manieren om dingen te doen, wat ook van toepassing kan zijn op het opbouwen van een carrière. Om een ​​echte creatieveling te zijn, moet je risico's nemen. Enkele van de meest creatieve mensen die ik ken, hebben een parttime baan bij de universiteit. Het bevrijdt hen om buiten dat te doen wat ze willen. Het is belangrijk om te vinden wat voor u werkt, omdat iedereen anders is en u het alleen met vallen en opstaan ​​zult vinden. Bij creativiteit draait alles om falen; je leert niets van iets goed doen.

[59:24] BW: Dan ben ik op de goede weg. Hoe ga je om met je tijd? Hoe prioriteer je taken als artiest? Geef jij jezelf deadlines? Hoe ziet het eruit aan de binnenkant van je agenda, je planning?

[59:47] LC: Ik heb veel theorieën en processen en spreadsheets, maar die blijven vaak ongebruikt. Bepaalde dingen hebben deadlines, dus ze worden in de wachtrij geplaatst. De moeilijkheid zit hem in de vroege ontwikkelingsfasen van nieuwe projecten, waar geen financiering is of niemand anders erop vertrouwt dat het wordt gedaan. Het is alleen voor mij. Dus dat wordt vaak op een laag pitje gezet, wat een vergissing is, want dat is het spul dat alles aandrijft. Ik heb tijdblokkering geprobeerd, zoals elke ochtend van zeven tot tien uur voor mezelf in de studio. Ik heb verschillende dingen geprobeerd. Ik ben er nog niet helemaal uit.

[1:01:31] BW: Tijdblokkering is iets wat ik dit jaar heb gedaan en het heeft mijn leven veranderd. Ik gebruik een app genaamd 'Session'. Ik plan elk uur van mijn dag, van negen tot vijf, in stappen van 15 minuten en neem dan elke 10 minuten een pauze van 15 minuten. Op de dagen dat ik de pauzes doorwerk, bots ik rond twee of drie uur tegen een muur. Maar als ik consequent pauzes neem, blijf ik de hele dag fris.

[1:02:33] LC: Een ding dat ik wel heb, is dat ik altijd bezig ben met tekenen of schilderen. Als ik een blok voor de computer tegenkom, ga ik naast de deur en teken gedurende 20 minuten. Dat helpt mij echt.

[1:02:49] BW: Ik speel muziek, dus een speciale, altijd beschikbare ruimte daarvoor zou goed zijn.

[1:02:57] LC: Absoluut. Als je het moet opzetten en daarna moet opruimen, dan doe je het niet. Het moet klaar zijn en op je wachten.

[1:03:08] BW: Dat doet me denken aan Philip K. Dick of Isaac Asimov die overal in zijn huis meerdere typemachines had staan. In welke kamer hij zich ook bevond, hij zou een verhaal hebben om aan te werken dat op hem wachtte in de typemachine.

[1:03:30] LC: Dat is een goed idee, het resoneert met mij.

Een omgeving creëren die bevorderlijk is voor creativiteit

[1:03:34] BW: Nu, mijn volgende vraag is iets dat ik aan verschillende artiesten heb gesteld, en het is vooral relevant voor jou. Hoe manifesteert frustratie zich in uw creatieve praktijk? En wat doe je om er overheen te komen? Als ik dit vraag aan mensen die alleen aan hun computer werken, is dat één ding. Maar als ik iemand vraag die met 10-20 anderen samenwerkt aan een project, verwacht ik een ander antwoord.

[1:04:14] LC: Frustratie voor mij komt vaak voort uit het proberen om meerdere rollen in evenwicht te brengen. In Tamagata ben ik bijvoorbeeld producer, regisseur, animator, compositor en editor. Dus ik heb tegelijkertijd creatieve, management- en leiderschapsrollen. Het team is opgesplitst in verschillende taken, zoals schilderen, digitaal werk, muziek, compositie en schrijven. Ze weten niet noodzakelijkerwijs wat elkaar doet, en ik moet ze bij elkaar brengen. Het is een hele opgave. Wat voor mij frustrerend is, is wanneer het me niet lukt om dat te doen, en dan worden anderen opgehouden en verliezen ze hun momentum. Dat gebeurt als ik bezig ben met mijn andere verantwoordelijkheden. Wat het creatieve blok betreft, ik heb er niet echt problemen mee omdat ik aan meerdere projecten werk. Als de ene niet werkt, ga ik naar de andere of ga ik wandelen. Ik probeer er niet doorheen te dringen. Het meest frustrerende is wanneer iemands werk onbruikbaar is omdat de opdracht niet duidelijk was. Dat is frustrerend voor hen en voor mij, omdat ik weet hoe het is om daar aan de ontvangende kant van te staan.

[1:06:58] BW: Ik heb nog een laatste vraag, een variatie op een thema dat ik gewoonlijk stel. Wat is de meest recente diepgaande realisatie die je hebt gehad over creativiteit, het creatieve proces of de mentaliteit die nodig is voor creativiteit?

[1:07:49] LC: Het meest levensveranderende besef voor mij was dat creativiteit geen keuze is, het is net zo essentieel als ademen of eten. Als er een dag voorbijgaat en ik niet teken, schilder of interactie heb met een fysiek medium, voel ik het. Het beïnvloedt al het andere in mijn leven. Ik denk dat iedereen die ruimte nodig heeft waar onze geest kan verschuiven van logisch denken naar een creatievere mentaliteit. Zonder dat beginnen dingen uit elkaar te vallen.

[1:09:14] BW: Ik heb dat besef ook ervaren, hoewel het voor mij meer met muziek te maken heeft. Kunt u als follow-up de context rond dat besef delen?

[1:09:41] LC: Er waren tijden dat ik dacht dat kunstenaar zijn toegeeflijk was. Het is een proces van zelfreflectie dat misschien niet het meest lucratieve of praktische is, vooral als je een gezin te onderhouden hebt. Dus overwoog ik om andere banen na te streven, banen die mensen me aanboden. Ik merkte echter dat ik mijn autonomie en creatieve impulsen niet kon opgeven. Ik besefte dat het niet egoïstisch is; het is fundamenteel. Deze creativiteit voedt niet alleen mij, maar ook anderen die soortgelijke ervaringen delen. Dat is wat we ontdekken met Tamagata. De resonantie die mensen hebben met dat verhaal toont het belang ervan in de wereld op dit moment. Hoewel ik het geweldig zou vinden als het succesvol zou zijn, wil ik dat het meer contact maakt met mensen, zodat ze het op hun eigen manier kunnen gebruiken en hun ervaringen met anderen kunnen verbinden'.

[1:12:13] BW: Dat is prachtig. Ik ben blij dat ik die vraag heb gesteld, en nu weet ik hoe ik hem beter kan stellen. Terwijl we afronden, Leo, vertel ons over de Tamagata-drop die eraan komt.

[1:12:32] LC: De speelfilm van Tamagata is momenteel in productie. Tijdens de productie brengen we NFT's uit als onderdeel van de Tamagata-collectie. Dit is onder de vlag van Adverset NFT via Baker Space. We hebben er tot nu toe twee uitgebracht. De eerste is een gelimiteerde oplage van 30, verkrijgbaar voor $ 99 per stuk, en de meeste zijn al verzameld. Als je er een wilt, raad ik je aan snel te handelen. De tweede is een video die 40 meter hoog werd tentoongesteld op verschillende locaties in Parijs en op Times Square in New York. Het is een van de meest iconische shots van de film en wordt vanaf 22 juni 2023 geveild met een reserve van drie ether. uitgave.

[1:13:45] BW: Dat is fascinerend.

[1:13:47] LC: Na de release wordt de film naar festivals gestuurd en vervolgens voor distributie.

[1:14:12] BW: Dat is mooi. Nou, Leo, heel erg bedankt dat je de tijd hebt genomen. Pardon, ik heb hier een bezoeker die mijn aandacht nodig heeft.

[1:15:16] LC: Brady, ik zou je gezinstijd niet in de weg willen staan. Het was me een genoegen. Heel erg bedankt voor je inzichtelijke vragen en voor het verdiepen in de diepte van de projecten.

[1:15:31] BW: Bedankt, Leo, voor je komst. Ik waardeer de diepgang van ons gesprek en uw geduld met mijn nieuwsgierigheid. De drop is op de 22e, dus mis het niet. Als je dat doet, is er altijd nog de secundaire markt. Dit is een geweldig project en absoluut prachtig. Bekijk het eens. Kun je ons herinneren aan je website?

[1:16:04] LC: Het is leocrane.co.uk.

[1:16:07] BW: Geweldig. Heel erg bedankt, Leo.

[1:16:13] LC: Ik wil ook mijn dank uitspreken aan Makers Place voor hun steun en Julian Farrell (@AnimusNFT) voor het samen met mij produceren van deze NFT-drop. Deze samenwerking staat voor co-creatie.

[1:16:40] BW: Absoluut. Luisteraars kunnen ook mijn interview met Animus bekijken op Makers Place. Nogmaals bedankt, Leo. Proost.

Beluister de aflevering op Apple Podcasts, Spotify, bewolking, iHeart, SpelerFM, Podchaser, Boomplay, Inschakelen, Podbean, Google Podcasts, Amazon Music, of op je favoriete podcastplatform.

Lees de shownotities

Abonneer u hieronder op onze nieuwsbrief voor updates over al onze aankomende interviews met artiesten en verzamelaars.

• Door SEO aangedreven content en PR-distributie. Word vandaag nog versterkt.
• PlatoData.Network Verticale generatieve AI. Versterk jezelf. Toegang hier.
• PlatoAiStream. Web3-intelligentie. Kennis versterkt. Toegang hier.
• PlatoESG. Automotive / EV's, carbon, CleanTech, Energie, Milieu, Zonne, Afvalbeheer. Toegang hier.
• BlockOffsets. Eigendom voor milieucompensatie moderniseren. Toegang hier.
• Bron: https://rare.makersplace.com/2023/06/21/transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration