Lyssna på avsnittet på Apple Podcasts, Spotify, Mulen, iHeart, playerfm, Podchaser, Boomplay, Ställa in, Podbean, Google Podcasts, Amazon Music, eller på din favoritpodcastplattform.

Läs Show Notes

[0:02] BW: Välkommen tillbaka till Pixels and Paint. Jag är stolt över att ha dagens gäst, animatör, designer, målare och författare, Leo Crane. Leo, välkommen.

[0:16] LC: Tack för att du fick mig, Brady. Det är trevligt att träffa dig.

Från Art Adjacency till Animation Mastery

[0:20] BW: Likaså, Leo. Skulle du kunna presentera dig för vår publik som kanske inte är bekant med ditt arbete?

[0:31] LC: Självklart skulle jag vilja säga hej till Julian, som presenterade mig för er alla. Jag är en konstnär och filmskapare som antog NFTs tidigt 2021, efter att ha praktiserat i skärningspunkten mellan fysiska och digitala medier. Jag driver en studio i södra London, närmare bestämt i Crystal Palace. Det är en plats med en rik historia som huserar världens stora underverk som tyvärr brann ner. Trots detta behåller den fortfarande en känsla av kreativitet och industri. Tillsammans med min man, Roy Joseph Butler, som är min kreativa partner och medregissör för studion, gör jag filmer, kuraterar utställningar och undervisar på olika institutioner, inklusive V&A Museum, Sotheby's Institute of Art, British Library och lokalsamhället centrerar. Sambandet mellan gemenskap, kreativitet, industri, handel och samarbete är en viktig del av min praktik. Det är därför Web3 och Maker's Place är så fascinerande för mig; de tillåter mig att lyfta mitt arbete till en ny nivå.

[2:11] BW: Du började på ett masterprogram i animation när du var 33. Vad gjorde du innan det?

[2:18] LC: Ja, du har gjort din research. Jag har alltid hållit på med konst, uppträtt som skådespelare, skrivit, gjort keramik. Men jag avvek från konsten på grund av stereotypen "svältande konstnär" och vågade mig på närliggande fält. Jag arbetade på museer och kulturella utrymmen, hanterade PR, insamlingar och affärsstrategier. Jag tillbringade sju år på Victoria and Albert Museum, UK National Museum of Art and Design, som utan tvekan är världens största museum för konst och design. Den rymmer ett stort utbud av artefakter, allt från gammal kinesisk keramik till italienska renässansmästerverk, ända upp till banbrytande mode och en djup digital samling som går tillbaka till 1950-talet. Under min tid där arbetade jag på en interaktiv digital utställning som heter Decode, som turnerade i Kina och Israel. Den här upplevelsen, tillsammans med att träffa innovativa artister, inspirerade mig att ägna mig åt animation. Jag uppskattade hur det blandar konst, performance, musik och teknik. Som ett resultat lämnade jag mitt jobb och hem, spenderade alla mina besparingar och skrev in mig på ett masterprogram vid Bournemouth University.

Balansera digital och traditionell konst

[5:00] BW: V&A verkar vara en idealisk plats för någon som du att finslipa dina färdigheter. Jag är nyfiken på hur att bli utsatt för olika konstformer och perioder påverkade din konst. Idag kommer vi till exempel att diskutera The Masterpiece of Tamagata. Den berättar historien om något uråldrigt med hjälp av modern teknik, som akvarellanimering på datorer. Det finns en fascinerande balans i ditt arbete mellan klassiska influenser och teknik. Men jag vill också prata om din ritövning. Min forskning tyder på att du inte började rita på allvar förrän du var 36, stämmer det?

[6:25] LC: Jag var faktiskt 39 år när jag verkligen började teckna 2016. Jag hade tecknat avslappnat redan innan dess, och utnyttjat drop-in-livsritverkstäderna i London. Trots att jag hade ett heltidsjobb kunde jag gå till ett rum ovanför en pub efter jobbet, ta en öl och tillbringa ett par timmar med att rita. Men det var vid den här tiden jag etablerade min animationsstudio direkt efter mitt masterprogram. Jag ville inte ha något att göra med den exploaterande animationsindustrin som jag såg, där folk var underbetalda och överarbetade. Så jag började göra digitalt varumärkesarbete för ett stort företagsvarumärke. Efter ungefär tre år fann jag mig själv längta efter mer påtaglig, strukturell mänsklig kontakt med materialet. Jag var klar med digital animation, så jag började ta teckning och målning på större allvar.

Det var också runt den tiden jag träffade min blivande man, som råkade vara en livsmodell. Ja, vi träffades när han poserade naken i mitten av salongen. Han arbetade med en artist som hette Maggie Hambling på den tiden, en avhoppad artist från 60- och 70-talen. Hon har varit ett stort inflytande på mig och utmanat vem som får göra och avbildas i konst. Genom henne och min man blev jag seriös med att måla och rita, mestadels i kol och olja, utifrån livet.

Sedan blev jag utvald till en tv-talangshow, "Årets porträttkonstnär", där vi målade live. Det var nervkittlande men också ett bra tillfälle att ta tag i min konst på allvar. Efter att jag gjorde bra ifrån mig på showen började jag få uppdrag och porträttmålningsspelningar. Sedan fann jag mig själv att sakna den digitala aspekten av konst, vilket fick mig att kombinera de två till det jag gör idag.

[10:29] BW: Det är riktigt resan. Som någon som tillbringar alla mina arbetstimmar på en dator och gör det mesta av mitt kreativa arbete på den, är jag något avundsjuk.

[10:51] LC: Jag älskar datorer och spenderar mycket tid framför dem. Däremot uppskattar jag möjligheten att gå undan och komma tillbaka fräsch. Det är därför jag har två ateljéer: en för datorarbete och en annan för att måla. Jag kan växla mellan de två beroende på mitt humör eller deadlines.

[11:17] BW: Det låter fördelaktigt att ha de två utrymmena åtskilda, det måste utlösa en mental förändring när du går in i rummet utan datorer och inte distraheras av digitala enheter.

[11:33] LC: Absolut, plus att det inte finns någon risk att spilla vattenfärger på datorerna.

Betty Misheikers inflytande

[11:36] BW: En giltig poäng. Ändra ämne, kan du berätta om Betty Misheiker?

[11:50] LC: Betty Misheiker var en sydafrikansk barnförfattare som började skriva på 1950- och 1960-talen. Hon var mycket produktiv, och de flesta barn som växte upp i Sydafrika under den eran lyssnade förmodligen på hennes berättelser på radio innan skolan, eftersom de alltid inkluderade en sång. Hon skrev omkring 2000 berättelser under sin livstid, som alla publicerades som böcker utom en. Det här är historien som ledde mig till henne.

Tyvärr gick hon bort innan vi kunde träffas, men hennes dotter, Ilona Misheiker, nu Ilona Suschitzky, deltog i en animationsworkshop som jag höll. Ilona insisterade på att animera en sekvens från sin mammas opublicerade berättelse, som Betty hade skänkt henne till hennes 16-årsdag. Efter workshopen berättade Ilona om betydelsen av denna berättelse och hennes livslånga ansträngningar för att få den till liv. Till en början vägrade jag att hjälpa till och erbjöd mig att visa henne min installation så att hon bättre kunde förstå vad animering innebär. Men historien fortsatte att förfölja mig. Efter att ha diskuterat det med Roy, min partner och en manusförfattare, bestämde vi oss för att anpassa det till ett animationsmanus. Så från januari 2020 blev Betty Misheiker en integrerad del av våra liv.

[14:53] BW: Innebar din forskning att läsa många av Betty Misheikers andra berättelser? Syftade du på att fånga hennes röst i din anpassning?

[15:06] LC: Vi fokuserade främst på en berättelse. Vi var övertygade om att Ilona, ​​som är medregissör på filmen vi gör, skulle kunna representera sin mammas röst på ett adekvat sätt och vägleda oss mot autenticitet om det skulle behövas.

Från apartheid till konst: The Hidden Story Behind 'The Masterpiece of Tamagata

[15:33] BW: Din webbplats indikerar att berättelsen om "The Masterpiece of Tamagata" ansågs vara för riskabel för att släppas när den ursprungligen skrevs. Kan du berätta varför det sågs som farligt?

[15:42] LC: "The Masterpiece of Tamagata" är en djupt känslomässig allegori med rötter i verkligheten i apartheid Sydafrika, en tid av extrem samhällelig splittring baserad på ras. Betty Misheiker, en vit judisk kvinna, och hennes familj, inklusive en ung svart kvinna som bodde hos dem, stod inför en utmanande situation. Den unga kvinnan blev gravid och fick på grund av stränga apartheidregler inte ha sin bebis hos sig i det vita området.

Familjen Misheiker kunde inte stå ut med tanken på att separera mor och barn, så de bestämde sig för att gömma barnet i huset. Pojken, som var i samma ålder som Ilona, ​​Bettys dotter, växte upp i hennes sovrum. Inom huset lyckades de upprätthålla ett sken av ett harmoniskt, mångrasligt familjeliv. Men när pojken växte och behovet av skola blev överhängande blev situationen ohållbar. Familjen fick så småningom separera, mamman och barnet flyttade bort så att pojken kunde växa upp i en miljö som inte skulle äventyra hans liv.

Man tror att Betty skrev "The Masterpiece of Tamagata" som ett sätt att bearbeta denna upplevelse. Men att öppet skriva om apartheid Sydafrika kunde ha hamnat i fängelse och äventyrat pojkens och hans mors liv, därför förblev historien dold. Nu, med samhälleliga klyftor som förvärras över hela världen, verkar det mer relevant än någonsin att dela det.

[19:58] BW: Fortsatte Ilona att upprätthålla en relation med kvinnan och pojken som lämnade?

[20:06] LC: Det är en del av historien som är bäst berättad av Ilona. Jag kan dock säga att genom att engagera dig i "The Masterpiece of Tamagata" kan du uppleva historiens känslomässiga resa utan att fördjupa dig i detaljerna i den verkliga händelsen. Det finns en unik kraft i en allegori som tillåter människor att ta med sina egna erfarenheter och tolkningar till berättelsen.

[20:57] BW: Faktum är att allegorisk litteratur, som "The Metamorphosis", tillåter unika, personliga tolkningar, och trots att nästan ett sekel har gått sedan den skrevs talar den fortfarande till individer på sätt som är unikt meningsfulla för dem .

[21:26] LC: Absolut. Sättet som människor reagerar på "The Masterpiece of Tamagata" är häpnadsväckande. Jag har observerat en särskild koppling inom queergemenskapen och bland individer som känner sig marginaliserade från det vanliga samhället, som ofta skapar interna fantasier som en form av flykt. Detta förstärktes ytterligare under covid-pandemin.

När vi först presenterade den här berättelsen under Mayfair Art Week i London, konverterade vi en boutiquebutik, tyvärr i konkurs på grund av pandemin, till Tamagatas värld. Vi hade en scenmodell av hans hus och projektioner av fåglar som flyger och träd som målades. Trots att vi bara hade några sekunders animation kunde vi berätta historien och responsen var överväldigande.

Det finns en ytlig berättelse om ett par som inte kan få barn, en sorgsen verklighet för många, inklusive mig själv, som främjar en omedelbar anknytning. Men utöver det, resonerar berättelsen med dem som känner ett behov av att fly världen och hitta en plats där de kan existera bekvämt enligt sina egna principer om rätt och fel, kärlek och lycka. Det faktum att vi alla har kapaciteten att skapa den världen inom oss själva, oavsett om vi målar, skapar ett metavers eller fördjupar oss i musik eller poesi, är en djupt kraftfull sak.

Blanda traditionella och digitala konsttekniker

[23:51] BW: Filmens skönhet är helt slående, speciellt med tanke på att det hela är handmålad akvarell. Kan du utveckla processen och varaktigheten bakom detta intrikata arbete?

[24:12] LC: Visst, och tack. Vi använde både traditionella och digitala tekniker utan att gynna den ena framför den andra. Vi ville använda japanska bläck eftersom huvudpersonen i berättelsen är en målare. Så Ilona och jag ägnade två år åt att lära oss den traditionella konsten att måla Sumi-e. Trots den mödosamma uppgiften kändes det nödvändigt att göra själva grejen, även om bläckmålning är en distinkt färdighet från akvarell.

Vi hade turen att lära oss av en mästerlärare, Kami Lucas, här i Storbritannien. Hon ledde oss genom traditionella övningar och vi anpassade sedan dessa för animering. För att fånga subtila nyanser i ansiktsuttryck introducerade vi digital teckning med hjälp av en sponsring från TVPaint. En expert animatör, Natasha Settle, som tog examen från Royal College of Art, leder den digitala sidan.

Vi strävade efter att uttrycka två kontrasterande världar: Shoguns värld – en maskulin, strukturerad, farlig värld – och målarens fantasi – ett feminint, fritt, expansivt universum. För att uppnå detta avbildas Shoguns värld med statiska, glesa målningar, medan stunder av känslomässig oro eller fantasi representeras av bläck som sprids genom vatten.

Att skapa dessa vattenscener var en utmanande uppgift, särskilt som jag var tvungen att lista ut att filma genom glas och vatten för att fånga bläckdroppar. Till en början var jag tvungen att kassera alla mina bilder på grund av reflektioner som uppträdde när bläcket gjorde vattnet mörkare. Nu arbetar vi med en erfaren filmfotograf som råkar vara Ilonas man. Hans CV innehåller verk som "Return of the Jedi" och "Rocky Horror Picture Show", och han hjälper oss att filma några sekvenser till filmen. Vårt lilla passionsprojekt har lockat några förstklassiga Hollywoodtalanger.

[28:57] BW: Det är en otroligt lycklig koppling. Att hitta en sådan talang kunde ha varit mycket svårare annars.

[29:04] LC: Ja, det kunde det ha varit.

Harmonizing Tradition and Innovation: Opera in the NFT Space

[29:06] BW: Jag skulle vilja diskutera stycket "L'amoure rebelle." Jag tycker att det säger mycket om dig som artist. Kan du förklara varför det här stycket finns och vad det representerar?

[29:27] LC: Absolut. "L'amoure rebelle" var mitt genombrottsögonblick i Web 3-utrymmet. Till en början började jag med att prägla från redan existerande akvarellanimationer, men det här stycket föddes helt och hållet inom NFT-sfären. Det skulle inte existera annars.

Jag minns att jag var på en Londonbuss och deltog i en klubbhuschatt redan 2021. En ny deltagare meddelade att hon var operasångerska, vilket var fascinerande – en sammanslagning av traditionella och digitala världar. Detta väckte idén om att förena traditionella visuella och musikaliska metoder med banbrytande teknologi. Jag ville visa potentialen hos NFT i områden bortom mainstream. Min tanke var, om du kan använda NFT på opera, kan du tillämpa dem på vad som helst.

Mina medarbetare, Miranda och Zach, hade redan arbetat med att arrangera om berömda arior så att de skulle släppas som NFT, men ställdes inför utmaningar på grund av avsaknaden av en musikplattform vid den tiden. Eftersom de inte var bildkonstnärer klev jag in. Vi skapade först ett testverk som heter "Ethel Shultz", som blev framgångsrikt. Vi investerade sedan fullt ut i en opera NFT baserad på Carmens aria "Habanera".

Arian talar om kärlek som en rebellfågel, som vi såg som en metafor för teknik och Web 3 – den ständiga närvaron, irritationen, men ändå den svårfångade naturen när du försöker greppa den. Vi förvandlade denna aria till en metafor för vår digitala värld och släppte en teaser som en NFT. Detta fångade några människors uppmärksamhet i LA, vilket ledde till den första liveoperan NFT någonsin. Föreställningen inkluderade musiker från LA Philharmonic, couturier Rami Kadi och animationer av träkolsteckningar. Varje intim föreställning bjöd på en unik uppslukande upplevelse.

Liveframträdandens uppslukande kraft

[33:34] BW: Det är vackert. Det här stycket talar till mig om dig. I en intervju 2020 nämnde du din fascination för friktionen mellan traditionellt hantverk och ny teknik. Jag ser det i ditt arbete, hur du balanserar gammalt och nytt, som att använda en klassisk opera i ett modernt sammanhang. Den är handritad, men efterproduktionen görs på en dator och den är präglad på blockchain. Du lägger till det en uppslukande liveframträdande, som vissa skulle kunna se som ett grävande på kryptokonst. Det verkar som om du tycker om att gå på gränsen mellan dessa världar. Så, längtar du någonsin efter enkelhet?

[35:29] LC: Om du kände mina föräldrar eller syskon, skulle du förstå att att ta den enkla vägen egentligen inte finns i vår genetiska makeup. Tro mig, jag har försökt förenkla saker. Men om mitt arbete inte är något nytt och annorlunda, om det inte främjar mediet eller ger publiken något nytt att uppleva, så ser jag helt enkelt inte poängen. Om mitt mål var kommersiell framgång, skulle jag ha tagit en annan karriärväg. Det jag älskar är att leka med kreativitet och utforska vad det innebär att vara människa.

Den fördjupande aspekten är viktig för mig. Jag har en liveteaterbakgrund och jag har alltid kämpat med rent digitala upplevelser. Det var därför när möjligheten att framföra L'amoure Rebelle live dök upp, det var en no-brainer. Sedan på Non-Fungible Conference i Lissabon projicerade vi operan i ett stort rum. Det var en fantastisk upplevelse att kombinera det digitala och fysiska, både i produktionsprocessen och den slutliga föreställningen.

[38:20] BW: Jag såg några foton och videor av den installationen i Lissabon. Jag önskar att jag kunde ha varit där.

[38:30] LC: Det var otroligt. Det var en förstklassig NFT-konferens.

[38:36] BW: Du nämnde William Kentridge som en inspiration för L'amoure Rebelle. Hur betydelsefull har han varit för ditt arbete?

[38:49] LC: Jag beundrar William Kentridge djupt. Det finns många paralleller i våra karriärer. Han började på teater, precis som jag, och gick genom kolteckning till filmskapande och opera. Han är unik i det han gör, särskilt hans kombination av rörliga och stillbilder, framförande och musik. Det finns inte många artister där ute på hans nivå som gör samma sak. Så även om jag finner inspiration i många begåvade konstnärers arbete i mitt samhälle, när jag tänker på en stor utställning i en stor nationell institution, skulle Kentridge vara en av de mest inspirerande.

Korsningar mellan dans, teater och animation

[40:11] BW: På tal om inspirationer, en annan person som vi båda beundrar är Pina Bausch. Du har nämnt henne som en inspiration för "The Library", din kortfilm. Kan du utveckla det?

[40:37] LC: Min mamma arbetade med Pina Bausch, så jag hade turen att se henne dansa. När jag var liten såg jag "Café Müller" i London, som hon dansade i, och det resonerar fortfarande hos mig nästan 40 år senare. Hennes användning av upprepning i rörelse, att bygga ett narrativ genom det, verkar särskilt relevant för animation. Med tanke på att animering är mödosam är det viktigt att vara ekonomisk och återanvända element, därav användningen av loopar, promenadcykler etc. Detta fick mig att experimentera med looping och upprepade handlingar för att utveckla berättelsen, och Pina Bausch var en stor inspirationskälla för det . För de som inte känner till var hon grundaren av Dance Theatre for Batal, ett ikoniskt experimentellt modernt danskompani. Hon gick bort för ungefär ett decennium sedan och är mycket saknad inom dansens och teaterns värld.

En annan inspiration var Samuel Beckett, som skrev ett algoritmiskt manus till en pjäs som involverade robotar. Hans arbete visade hur vår mänskliga natur lägger en berättelse på de enklaste handlingar. Pina Bauschs och Becketts användning av upprepning i olika sammanhang, vid sidan av mina egna erfarenheter av liveframträdanden, där varje upprepad framträdande är unikt, gav mitt arbete. Jag strävar efter att ingjuta den levande gnistan i den förrenderade animationsvärlden, och att ha Bauschs arbete i åtanke var otroligt hjälpsamt för det.

[43:38] BW: Jag rekommenderar tittarna att se Wim Wenders dokumentär om Pina Bausch. Jag hade turen att se den på bio i 3D. Jag såg henne aldrig uppträda live, men jag såg hennes företagsturné i Brooklyn, vilket var anmärkningsvärt. Jag är förvånad över att höra om det här Beckett-stycket eftersom han är en av mina favoriter.

[44:06] LC: Det är inte känt. Jag är inte ens säker på hur jag hittade den eller vad den heter, men den består av några rader text och ett diagram, en guide till repetitiv rörelse från A till B, B till C, och så vidare, i oändlighet.

[44:24] BW: Detta påminner mig om Becketts "Malloy", där karaktären minutiöst flyttar stenar från ficka till ficka för att bibehålla balansen under hela dagen. Jag skulle vilja uppmärksamma "The Library", en fantastisk kortfilm som du skapade. Det är en vacker, tyst dans där attraktionen till en främling växer när du observerar dem på långt håll, en dans av känslor som vi förmodligen alla har upplevt. Jag rekommenderar starkt alla att kolla in det.

[45:52] LC: Det var mitt examensarbete. På uppdrag av London Library observerade jag läsarna under en vecka och fångade deras smygande blickar på varandra. Karaktärerna är baserade på verkliga människor och deras berättelser om undertryckta begär inom biblioteket. Jag tror att slagordet är "biblioteksetikett kontra köttsliga begär."

[46:43] BW: Du driver en studio, Figuration, med din man Roy Joseph Butler, som är med i många av dina verk, som "Being". Kan du berätta mer om din kreativa dynamik?

[47:06] LC: Vår dynamik är väldigt naturlig. Vi diskuterar alltid idéer, och när ett projekt dyker upp har vi den samlade kompetensen att utveckla det till den punkt där vi kan pitcha för finansiering. Vi utforskar liknande berättelser, men vi är också individuella skapare. Han skriver för andra, och jag animerar för andra, vilket fungerar bra för oss. Det Roy har lärt mig är att uppskatta samskapandet av ett konstverk. Det handlar inte bara om att konstnären gör märken på duken. Sittaren, producenten eller någon inblandad kan påverka stycket. Det är här Web 3 är spännande. När du investerar i NFTs, köper du in i skapandet och livet av projektet och deltar i samskapandet.

[50:23] BW: Jag har pratat med många artister om samarbete – vad som gör det bra, vad gör det dåligt. Vad jag konsekvent har hört är att om samarbetet är något du kunde ha gjort själv, kan det vara frustrerande. Om du har samma färdigheter eller liknande stil som din medarbetare kan det skapa spänningar när du väntar på att saker ska komma tillbaka till dig. Detta kan skilja sig med statisk bildkonst jämfört med animation och berättande som kräver en pågående konversation på djupet. Men jag är nyfiken på de kompletterande eller kontrasterande färdigheter som du och Roy tillför era samarbeten?

[51:24] LC: Jo, Roy skulle säga att han inte kan rita, även om jag kanske inte håller med. Men vi har distinkta preferenser i ett projekt, och de smälter samman ganska naturligt. I det bredare sammanhanget av samarbete beror om du behöver olika eller liknande kompetenser på projektets karaktär. I en värld av filmprestanda eller musik behöver du ofta flera team på grund av den stora mängden arbete. Du måste vara på samma sida, följa samma stil och arbeta i harmoni för att det ska fungera. Så ibland behöver man vara likadan, ibland olika. Det som får ett samarbete att fungera är hur du definierar och hanterar människors förväntningar på deras roller.

Ekonomiska realiteter i en konstkarriär

[52:35] BW: Låt oss ändra riktning lite i den här intervjun. Förutom att lära känna dig, syftar Pixels and Paint också till att hjälpa vår publik att navigera i sina konstkarriärer. Så jag har några frågor till dig i den andan, om du är spel. Du är en experimentell animatör med arbete som ofta fokuserar på queera teman och har nakenhet. Hur tjänar du pengar?

[53:16] LC: För ett tag sedan bestämde jag mig för att inte försöka tjäna pengar enbart på min egen konst. Detta kan vara kontroversiellt, men jag tror inte att många konstnärer faktiskt överlever på att bara skapa den konst de vill göra. Jag har haft en kommersiell praxis som arbetar för att beställa, arbetat som en byrå som skapar konst för varumärken, men inget av detta uppfyller mina konstnärliga ambitioner. Det enda sättet jag har funnit att jag är tillräckligt fri för att skapa det jag vill, som inte är en produkt, är att diversifiera. Jag undervisar, skriver böcker, gästföreläser, talar vid evenemang och arbetar som konsult för ideella organisationer. Detta tillvägagångssätt ger flexibiliteten att fokusera på min konstpraktik när det behövs. Naturligtvis har det tagit år att bygga upp en kundportfölj som gör detta lönsamt. Nu, även när jag gör konsten jag vill ha, säkrar jag finansiering för det. Vi har samlat in ett betydande belopp till vårt nuvarande projekt, främst för att betala de inblandade. Jag ber aldrig någon att arbeta med ett projekt gratis om de inte har eget kapital i det. Jag vill inte lägga till exploateringen i konstvärlden. Denna finansiering kommer från en mängd olika källor, inklusive offentliga organ som Arts Council, England, den privata sektorn och NFTs. Sammantaget ser jag till att jag har tillräckligt med regelbunden inkomst från arbete utanför min kreativa praktik för att försörja mig själv. Undervisning, till exempel, låter mig ständigt reflektera över varför jag gör det jag gör. Det fräschar upp mitt perspektiv inför mitt nästa projekt.

Kreativt karriärbyggande

[57:57] BW: Ja, det verkar som att undervisning är ett bra inlärningsverktyg. Tror du att det finns en kreativ process för att bygga en kreativ karriär?

[58:14] LC: Det är en bra fråga. Svaret måste vara ja. Kreativitet handlar om att experimentera och att ständigt driva på för att hitta nya sätt att göra saker på, vilket också kan gälla karriärbyggande. För att vara en sann kreativ måste du ta risker. Några av de mest kreativa människorna jag känner har ett universitetsjobb på deltid. Det frigör dem att göra vad de vill utanför det. Att hitta det som fungerar för dig är viktigt eftersom alla är olika, och du kommer bara att hitta det genom försök och misstag. Kreativitet handlar om misslyckande; man lär sig ingenting av att göra något bra.

[59:24] BW: Då är jag på rätt spår. Hur hanterar du din tid? Hur prioriterar du uppgifter som artist? Ger du dig själv deadlines? Hur ser det ut på insidan av din kalender, din planering?

[59:47] LC: Jag har många teorier och processer och kalkylblad, men de sitter ofta oanvända. Vissa saker har deadlines, så de hamnar i kön. Svårigheten är de tidiga utvecklingsfaserna av nya projekt, där det inte finns någon finansiering eller ingen annan förlitar sig på att det blir gjort. Det är bara för mig. Så det blir ofta på baksidan, vilket är ett misstag eftersom det är det som driver allt. Jag har provat tidsblockering, som från sju till tio varje morgon för mig själv i studion. Jag har provat olika saker. Jag har inte riktigt fattat det än.

[1:01:31] BW: Tidsblockering är något jag har gjort i år, och det har förändrat livet. Jag använder en app som heter "Session". Jag planerar ut varje timme på dagen, från nio till fem, i steg om 15 minuter och tar sedan 10 minuters pauser var 15:e minut. De dagar jag jobbar mig igenom rasterna slår jag en vägg runt två-tretiden. Men när jag tar konsekventa pauser håller jag mig fräsch hela dagen.

[1:02:33] LC: En sak som jag har är att alltid ha en teckning eller målning på gång. När jag slår ett kloss framför datorn går jag bredvid och ritar i 20 minuter. Det hjälper mig verkligen.

[1:02:49] BW: Jag spelar musik, så att ha ett dedikerat, alltid redo utrymme för det skulle vara bra.

[1:02:57] LC: Absolut. Om du måste ställa in det och rensa upp det efteråt kommer du inte att göra det. Den måste vara klar och vänta på dig.

[1:03:08] BW: Det påminner mig om antingen Philip K. Dick eller Isaac Asimov som hade flera skrivmaskiner i hela sitt hus. Oavsett vilket rum han befann sig i, skulle han ha en berättelse att jobba på som väntade på honom i skrivmaskinen.

[1:03:30] LC: Det är en bra idé, det resonerar hos mig.

Skapa en miljö som främjar kreativitet

[1:03:34] BW: Nu, min nästa fråga är något jag har ställt till flera artister, och det är särskilt relevant för dig. Hur visar sig frustration i din kreativa praktik? Och vad gör du för att komma förbi det? När jag frågar människor som arbetar ensamma på sina datorer så är det en sak. Men när jag frågar någon som samarbetar med 10-20 andra i ett projekt förväntar jag mig ett annat svar.

[1:04:14] LC: Frustration för mig kommer ofta från att försöka balansera flera roller. Till exempel i Tamagata är jag producent, regissör, ​​animatör, kompositör och redaktör. Så jag har kreativa, lednings- och ledarroller på en gång. Teamet är uppdelat i olika uppgifter som målning, digitalt arbete, musik, komposition och skrivande. De vet inte nödvändigtvis vad varandra gör, och jag måste sammanföra dem. Det är en ganska stor uppgift. Det som är frustrerande för mig är när jag inte lyckas göra det, och då blir andra hållna och tappar farten. Det händer när jag blir sysselsatt med mina andra ansvarsområden. När det gäller kreativt block så har jag egentligen inga problem med det eftersom jag arbetar med flera projekt. Om en inte fungerar går jag till en annan eller så går jag en promenad. Jag försöker inte driva igenom det. Det mest frustrerande är när någons arbete är oanvändbart eftersom korten inte var tydlig. Det är frustrerande för dem och för mig, för jag vet hur det är att vara på den mottagande sidan av det.

[1:06:58] BW: Jag har en sista fråga, en variant på ett tema jag brukar ställa. Vilken är den senaste djupa insikten du har fått om kreativitet, den kreativa processen eller det tänkesätt som krävs för kreativitet?

[1:07:49] LC: Den mest livsförändrande insikten för mig var att kreativitet inte är ett val, det är lika viktigt som att andas eller äta. Om en dag går och jag inte ritar, målar eller interagerar med ett fysiskt medium, känner jag det. Det påverkar allt annat i mitt liv. Jag tror att alla behöver det där utrymmet där våra sinnen kan skifta från logiskt tänkande till ett mer kreativt tänkesätt. Utan det börjar saker falla samman.

[1:09:14] BW: Jag har också upplevt den insikten, även om det är mer med musik för mig. Som en uppföljning, skulle du kunna dela sammanhanget kring den insikten?

[1:09:41] LC: Det fanns tillfällen då jag tyckte att det var överseende att vara artist. Det är en självreflekterande process som kanske inte är den mest lukrativa eller praktiska, speciellt när du har en familj att försörja. Så jag övervägde att söka andra jobb, sådana som folk erbjöd mig. Men jag upptäckte att jag inte kunde överge min autonomi och kreativa impulser. Jag insåg att det inte är själviskt; det är grundläggande. Denna kreativitet driver inte bara mig utan även andra som delar liknande erfarenheter. Det är vad vi upptäcker med Tamagata. Resonansen som människor har med den historien visar dess betydelse i världen just nu. Även om jag skulle älska att det skulle bli framgångsrikt, vill jag att det mer ska få kontakt med människor, så att de kan använda det på sina egna sätt och koppla ihop sina erfarenheter med andras.

[1:12:13] BW: Det är vackert. Jag är glad att jag ställde den frågan, och nu vet jag hur jag ska ställa den bättre. När vi avslutar, Leo, berätta om Tamagata-droppen som kommer upp.

[1:12:32] LC: Tamagata-spelfilmen är för närvarande under produktion. Under produktionen släpper vi NFTs som en del av Tamagata-kollektionen. Detta är under bannern av Adverset NFT genom Baker Space. Vi har släppt två hittills. Den första är en begränsad upplaga på 30, tillgänglig för $99 styck, och de flesta har redan samlats in. Om du vill ha en, föreslår jag att du agerar snabbt. Den andra är en video som visades 40 fot hög på olika platser runt Paris och New Yorks Times Square. Det är en av de mest ikoniska bilderna i filmen och den kommer att auktioneras ut med en reserv på tre eter från och med den 22 juni 2023. När filmproduktionen fortskrider kommer NFT-samlingen att utökas, var och en innebär ett nytt steg i produktionen fram till filmens släpp.

[1:13:45] BW: Det är fascinerande.

[1:13:47] LC: Efter releasen kommer filmen att skickas till festivaler och sedan för distribution.

[1:14:12] BW: Det är vackert. Nåväl, Leo, tack så mycket för att du tog dig tid. Ursäkta mig, jag har en besökare här som behöver min uppmärksamhet.

[1:15:16] LC: Brady, jag skulle inte vilja stå i vägen för din familjetid. Det har varit ett nöje. Tack så mycket för dina insiktsfulla frågor och för att du fördjupar dig i projekten.

[1:15:31] BW: Tack, Leo, för att du kom. Jag uppskattar djupet i vårt samtal och ditt tålamod med min nyfikenhet. Nedsläppet är den 22, så missa inte det. Om du gör det, finns det alltid andrahandsmarknaden. Detta är ett fantastiskt projekt och helt underbart. Kolla in det. Kan du påminna oss om din hemsida?

[1:16:04] LC: Det är leocrane.co.uk.

[1:16:07] BW: Bra. Tack så mycket, Leo.

[1:16:13] LC: Jag skulle också vilja uttrycka min tacksamhet till Makers Place för deras stöd och Julian Farrell (@AnimusNFT) för att han producerade denna NFT-dropp med mig. Detta samarbete symboliserar samskapande.

[1:16:40] BW: Absolut. Lyssnare kan också kolla in min intervju med Animus på Makers Place. Tack igen, Leo. Skål.

Lyssna på avsnittet på Apple Podcasts, Spotify, Mulen, iHeart, playerfm, Podchaser, Boomplay, Ställa in, Podbean, Google Podcasts, Amazon Music, eller på din favoritpodcastplattform.

Läs Show Notes

För uppdateringar om alla våra kommande artist- och samlarintervjuer, prenumerera på vårt nyhetsbrev nedan.

• SEO-drivet innehåll och PR-distribution. Bli förstärkt idag.
• PlatoData.Network Vertical Generative Ai. Styrka dig själv. Tillgång här.
• PlatoAiStream. Web3 Intelligence. Kunskap förstärkt. Tillgång här.
• Platoesg. Fordon / elbilar, Kol, CleanTech, Energi, Miljö, Sol, Avfallshantering. Tillgång här.
• BlockOffsets. Modernisera miljökompensation ägande. Tillgång här.
• Källa: https://rare.makersplace.com/2023/06/21/transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration