In 2021, One Shot schoot in de harten van actiefans, ten volle gebruik maken van Scott Adkins’ gevarieerde vaardigheden. Het is een tactische actiefilm met een hoog octaangehalte en een leuke gimmick: de hele film is ontworpen om eruit te zien als één doorlopende opname.

Het nieuw uitgebrachte vervolg, Een laatste kans, nu overal beschikbaar waar u films digitaal huurt of koopt, is een meer zelfverzekerde, gepolijste inspanning dan het origineel, met een meeslepende en vertrouwde actiefilmsetting (een luchthaven), meer actielegendes (Tom Berenger en Michael Jai White) en een reeks spannende vechtsequenties die het beste uit de locatie, de verwaandheid en het talent.

Een laatste kans Ook herenigt regisseur James Nunn met Adkins en vechtchoreograaf Tim Man, die elk vier keer met Nunn hebben samengewerkt. Maar deze film is de meest succesvolle samenwerking tussen Nunn en Adkins tot nu toe. Polygon sprak met Nunn over de moeilijkheden bij het opnemen van een actiefilm in één take, in de nasleep van Oscarwinnaar van Sam Mendes 1917, waarbij hij de bezuinigingen verbergt, wat hij van de eerste film heeft geleerd en zijn hoop voor de toekomst van de serie.

Dit interview is licht bewerkt voor lengte en duidelijkheid.

Polygon: Als iemand die meer conventionele actiefilms heeft gefilmd, zoals EliminatorsWat is er volgens jou anders voor het publiek als een film wordt weergegeven als één doorlopende take?

James Nunn: Nou, het is grappig, omdat het begon als een oefening in Hoe kan ik iets pushen? Hoe kan ik anders zijn? Hoe kan ik uniek zijn? Hoe kan ik Scotts rauwe, verbazingwekkende vermogen optimaal gebruiken? En hoe kan ik mijn technische kennis inzetten? Dus het begon eigenlijk meer als een experiment om aan mensen te bewijzen: Ik ben technisch heel goed, hij is fysiek en voor de camera erg goed – combineer ze vaardigheden, maak een film. Daar kwam de eerste pitch vandaan. Maar naarmate de tijd verstreek, en toen we het begonnen te filmen, werd ik er eerlijk gezegd een beetje verliefd op om het op deze manier te doen. Je realiseert je dat je deze onderdompeling op je publiek duwt.

Alle films hebben een tikkende klok. Dat is het uitgangspunt van veel verhalen: je gaat van A naar B, of van A naar Z, maar het gaat niet om de letters, het gaat om de reis daartussen. Er is altijd een tikkend klokverhaal, vooral in actiefilms. Of het nu gaat om een ​​bom die afgaat of om het redden van je geliefde omdat ze op het punt staat in zuur terecht te komen, er is altijd een timer. En ik denk dat wat er gebeurt als je de tijd niet manipuleert met bezuinigingen, is dat je mensen feitelijk dwingt om, bijna op een onbewust niveau, die timer gewoon wat meer te voelen, de urgentie te voelen en er wat meer aanwezig in te zijn. .

Kijk, er komen veel problemen met de stijl, omdat je Scott niet per se als de beste krijgskunstenaar ter wereld kunt filmen, omdat je niet de hoeken kunt maken die echt laten zien wat hij kan. Evenzo kan hij niet ronddraaien terwijl hij geweldige vlinderpirouettes maakt, omdat het gewoon van een andere wereld zou zijn. Het formaat heeft dus beperkingen. En we weten wat we doen. We proberen de flitsende sfeer achterwege te laten en gaan voor een geaarde CQC-militaire sfeer (close-quarters fight), die heel goed past. Ik denk dat de langgerekte versie ervan, of je het nu leuk vindt of niet, je er gewoon in wordt gezogen.

Bepaalde acteurs zullen de gelegenheid echt aangrijpen en de beste zijn die je ooit hebt gezien, omdat ze zeggen: Ik wil niet degene zijn in deze tien minuten durende opname die het verprutst. Dus schakelen ze over naar dit niveau van authenticiteit en focus, en dat voel je ook. Maar als je een iets zwakkere prestatie hebt, is het ook moeilijker om je daarvoor te verbergen.

Ik ben er verliefd op geworden. Ik zal het niet voor altijd doen. Ik ben er zeker van dat ik binnenkort zal terugkeren naar het normale, conventionele filmmaken. Maar ik heb veel plezier. En ik ben zo blij met de ontvangst die we hebben gehad.

Waar heb je van geleerd? One Shot waarop u heeft gesolliciteerd Een laatste kans? De film voelt zelfverzekerder aan. Voelde dat voor jou ook zo tijdens het filmen?

Zeker, dat hebben we gedaan. En ik zeg ‘wij’ omdat ik een heel solide kernteam heb met wie ik graag samenwerk, en ze zitten allemaal in dezelfde trein als ik. Ik denk dat de eerste film, hoewel ik er vertrouwen in had... Kijk, ik heb geprobeerd het een beetje geheim te houden in de eerste film, maar we weten allemaal dat er verborgen delen in de film zitten. Begrijp me niet verkeerd, ik zal een take uitvoeren zo lang als ik kan. Er zijn drie redenen om te breken: veiligheid, geografie of beschikbaarheid van acteurs, als je in de verkeerde volgorde moet fotograferen. Dat zijn eigenlijk de redenen waarom ik heb gesneden. Als dat niet het geval is, ga ik zo lang mogelijk door binnen dat tijdsbestek. Je kijkt dus echt naar opnames van acht tot tien minuten.

Bij de eerste film wist ik dat we het konden, maar we hadden het niet gedaan, omdat we nog niet eerder verborgen delen hadden verborgen. Daarom heb ik er in de eerste film veel aandacht aan besteed om ervoor te zorgen dat we de bezuinigingen konden verbergen. Het verschil met de tweede film was dat het gewicht was opgeheven. We hadden het gedaan. Ik wist dat we het konden. Ik wist hoe ik het moest doen. Ik wist hoe ik mezelf uit de problemen kon halen, zelfs als iets die dag niet werkte en ik eruit moest komen. Omdat we het al eerder hadden geprobeerd en getest.

Dus dat gewicht was van mijn schouders gevallen. Dus het is zo, Oké, nu heb ik eigenlijk de tijd om wat meer na te denken over het uitgebreider omgaan met de camera. En we hadden hier ook een klein beetje meer geld voor. We zouden dus dingen kunnen doen zoals de camera uit de auto halen en de camera in een trappenhuis op een platform gooien en weten dat het goed zou komen. We konden wat lastiger zijn.

Hoe heb je het filmen op London Stansted Airport gedaan?

Dat was het moeilijkste deel van dit hele proces, filmen in de werkomgeving van een internationale luchthaven. We wisten dat we groter wilden gaan. De reacties van fans op de eerste waren overweldigend positief, en veel meer dan we hadden verwacht. Het is duidelijk dat als je aan deze ondernemingen begint, je in de film gelooft - dat moet wel, anders zou je het niet doen. Maar ik wilde echt dat het zou landen. En het kreeg niet per se de grote impuls waar ik op hoopte, vanwege de toenmalige COVID-19, maar het deed genoeg om echt een publiek te vinden.

We hebben geluisterd naar de feedback van de fans. Niet noodzakelijkerwijs de grote papieren recensies, maar de fans. En we probeerden daar in deze film op te reageren en ze meer gevechten te geven, ze meer hand-to-hand te geven, ze meer plot te geven, maar het ook niet zo low-budget te laten voelen als een locatie, iets waar we tegenaan liepen. veel in de reacties.

Dus toen we er eenmaal achter kwamen dat we de gelukkige kans kregen om op pad te gaan voor nummer twee, begonnen we aan wat we gingen doen, en we hadden zoiets van: We zullen nooit een luchthaven krijgen. We stellen ons gewoon voor dat we een kleine privé-landingsbaan krijgen. Het wordt rubber, het zal sowieso low-budget aanvoelen. Dus de producer, Ben Jacques, kreeg de opdracht Kun je een luchthaven krijgen? En als door een wonder toonde de vierde grootste luchthaven van Engeland, Stansted Airport, interesse. Ze waren als, Oh, we houden van het geluid hiervan. Ja, kom maar naar beneden. En dat deden we.

Dus gingen we naar beneden en keken, en we dachten dat het perfect zou zijn. En toen schreven we er het script omheen. Maar hier werd het lastig. De eerste film hadden we op een verlaten locatie, die we 11 uur per dag konden filmen, zonder vragen te stellen, easy-peasy. Maar naar Stansted gaan bracht een enorme hoeveelheid beperkingen met zich mee, dezelfde beperkingen waarmee je te maken krijgt als een reiziger die internationaal vliegt. Je gaat door de metaaldetector, je gaat door de screening. Honderd man binnen krijgen met geweren, met messen, met nep-explosieven kost je al snel een uur vrij.

Op dezelfde manier heb je toeristen die rondrennen, wachtend op hun vlucht en zo. In Groot-Brittannië kun je niet vliegen tussen middernacht en 4 uur. Ze sluiten het in principe af, zodat mensen kunnen slapen. En dat was toen we de film opnamen. Dus we zouden om zeven of acht uur 's avonds op het vliegveld aankomen, wat repetities doen en wat eten. En toen begonnen we echt tussen middernacht en vier uur. Het was een moeilijke stop om vier uur, omdat de vliegtuigen binnenkwamen of mensen in het vliegtuig stapten.

Op een bepaalde avond waren we in het bagageafhaalgebied en hadden we een lange reis en een uur te gaan. En we hebben hierover maanden en maanden vergaderd. Maar weet je, er is altijd wel één man die nooit op de bijeenkomsten aanwezig is, die komt opdagen en zegt: Oh, je moet het over 20 minuten inpakken. We zijn erin geslaagd twee opnames te maken van elk negen minuten. De tweede zit in de film.

Iedereen kent de indeling van een luchthaven, dus het wordt voor het publiek een stuk eenvoudiger om zich te verdiepen in waar de dingen zijn, hoe locaties met beperkte toegang eruit zien, dat soort dingen. Maar het laat je meer interactie hebben met de omgeving in termen van actie. Wat voegde de luchthavenlocatie nog meer toe aan de film?

Het lijkt een beetje op hoe ik me voel 1917. Er was één ding waarmee we te maken kregen toen we erna uitkwamen 1917, zelfs [One Shot] was oorspronkelijk al eerder geschreven 1917, was dat mensen een beetje worstelden met het achtergrondverhaal. Er werd niet veel achtergrondverhaal verteld. En het probleem met dingen in realtime in één keer doen, is dat je niet midden in een gevecht kunt stoppen en je moeder of je vrouw kunt bellen, omdat het publiek weet wat je doet. Je zit in een achtergrondverhaal, maar het begint gewoon flauw en niet echt te voelen.

En het voordeel dat 1917 over ons had is dat de natie en het collectieve begrip van de wereld over een soldaat in de Eerste Wereldoorlog – iedereen het op school heeft bestudeerd. Je hebt meteen een idee of achtergrondverhaal over die soldaat. Dus dat is het niet noodzakelijkerwijs 1917 heeft zelfs meer achtergrondverhaal dan wij. Maar wat een verschil maakt, is dat er een ongeschreven begrip van de Eerste Wereldoorlog bestaat dat je gewoon begrijpt. Het zit in je onderbewustzijn, over het algemeen gesproken, als westers publiek.

En dat is waarschijnlijk hetzelfde met de luchthaven. Niet iedereen heeft een basis in Guantanamo-stijl gezien [de setting van One Shot] buiten een film. Terwijl iedereen een luchthaven kent. En ik denk dat dat is waar [Een laatste kans] ook toeneemt, is dat we naar een plek zijn gegaan die jullie allemaal wel begrijpen: Oh, er komt een roltrap, er komt dit, er komt dat. Dus ik denk dat ik, om even op uw punt in te gaan, het volledig met u eens ben. En dan begin je gewoon te genieten van de vruchten van wat je kunt vinden, je loopt rond en ontwerpt de [val] die over de rails gaat, of vecht in de metro.

Dat is trouwens mijn favoriete gevecht in de film.

Ik ook. We snijden niet tijdens de gevechten. Dat is een deel van de reden dat Scott het ook graag doet, omdat we hem het echt twee, drie minuten laten doen. En wat ik zo leuk vind aan het metrogevecht is dat het vanwege alle voorgrond, palen, balken en glas eigenlijk onmogelijk is om er zelfs maar een snee in te maken. Dus dat zijn slechts twee fysiek geweldige vechters op het scherm [Adkins en Aaron Toney] die er echt voor gaan. En ik heb het voorrecht dat ze dat voor ons deden in een rijdende trein met een snelheid van ongeveer 30 mijl per uur.

Wat mij een van de moeilijkste verteluitdagingen van het format lijkt, zijn de overgangssequenties. Hoe heb je het aangepakt om binnen deze structuur van scène naar scène te gaan?

[Dat is waar] het voordeel van het naar de locatie gaan [binnenkwam]. Een overzicht van 10 pagina's hebben, de locatie vinden, vervolgens het script rond de locatie schrijven en vervolgens vaste bezoeken heen en weer doen. En het is ook een [echte] locatie, niet iets dat we aan het bouwen waren en dat mensen moesten proberen te begrijpen.

Omdat er veel zijn One Shot dat is eigenlijk een setje. We gebruiken bijvoorbeeld het buitenterrein, maar eigenlijk worden alle interieurs over het algemeen samengeknepen in een sportschool op de locatie. En dat was veel gemakkelijker voor [scenarioschrijver] Jamie [Russell] om die tijdsverloop te schrijven. En toen liet ik een paar bevriende acteurs langskomen, ongeveer drie maanden voordat we de film opnamen, en op een GoPro liepen we elke scène af, alleen voor de timing van het script.

Wil je er nog één doen? Een laatste schotmisschien?

Ja, ik wil er nog eentje doen. Ik heb geen spoilers voor je. Er is nog geen groen licht. Ik ga mijn best doen en op elke deur kloppen om ons hopelijk daar te krijgen. Maar er is geen nieuws, behalve de titel. En het lijkt erop dat internet de titel zelf heeft gevonden.

Ik bedoel, je hebt ons erop voorbereid.

[lacht] Ik en de producenten hebben er in het verleden over gesproken, maar het is een soort organische achtbaan online geweest, wat leuk en opwindend is. Dus ik zou heel graag die film willen maken, maar we zijn er nog niet. Laten we eens kijken.

Een laatste kans is beschikbaar voor digitale verhuur of aankoop op Amazon, Apple TV en Vudu.

• Door SEO aangedreven content en PR-distributie. Word vandaag nog versterkt.
• PlatoData.Network Verticale generatieve AI. Versterk jezelf. Toegang hier.
• PlatoAiStream. Web3-intelligentie. Kennis versterkt. Toegang hier.
• PlatoESG. carbon, CleanTech, Energie, Milieu, Zonne, Afvalbeheer. Toegang hier.
• Plato Gezondheid. Intelligentie op het gebied van biotech en klinische proeven. Toegang hier.
• Bron: https://www.polygon.com/24042893/one-more-shot-director-james-nunn-interview-scott-adkins