Hör dir die Folge an Apple Podcasts, Spotify, Bedeckt, IHeart, playerfm, Podjäger, Boom spielen, Einschalten, Podbean, Google Podcasts, Amazon Musik, oder auf Ihrer bevorzugten Podcast-Plattform.

Lesen Sie die Shownotizen

[0:02] BW: Willkommen zurück bei Pixels and Paint. Ich freue mich sehr, den heutigen Gast, Animator, Designer, Maler und Schriftsteller Leo Crane zu haben. Leo, willkommen.

[0:16] LC: Danke, dass du mich hast, Brady. Es ist gut, dich kennenzulernen.

Von der Kunstnähe zur Animationsbeherrschung

[0:20] BW: Ebenso, Leo. Könnten Sie sich unserem Publikum vorstellen, das mit Ihrer Arbeit möglicherweise nicht vertraut ist?

[0:31] LC: Natürlich möchte ich Julian begrüßen, der mich euch allen vorgestellt hat. Ich bin ein Künstler und Filmemacher, der Anfang 2021 NFTs eingeführt hat und an der Schnittstelle zwischen physischen und digitalen Medien gearbeitet hat. Ich betreibe ein Studio im Süden Londons, genauer gesagt im Crystal Palace. Es ist ein Ort mit einer reichen Geschichte, der die großen Wunder der Welt beherbergt, die leider abgebrannt sind. Dennoch hat das Unternehmen seinen Sinn für Kreativität und Fleiß bewahrt. Zusammen mit meinem Mann Roy Joseph Butler, der mein kreativer Partner und Co-Leiter des Studios ist, mache ich Filme, kuratiere Ausstellungen und unterrichte an verschiedenen Institutionen, darunter dem V&A Museum, dem Sotheby's Institute of Art, der British Library und der örtlichen Gemeinde Zentren. Die Verbindung von Gemeinschaft, Kreativität, Industrie, Handel und Zusammenarbeit ist ein wesentlicher Bestandteil meiner Praxis. Deshalb faszinieren mich Web3 und Maker's Place so sehr; Sie ermöglichen es mir, meine Arbeit auf ein neues Niveau zu heben.

[2:11] BW: Du hast mit 33 Jahren ein Animations-Masterstudium begonnen. Was hast du davor gemacht?

[2:18] LC: Ja, Sie haben Ihre Recherche durchgeführt. Ich habe mich schon immer mit Kunst beschäftigt, bin als Schauspieler aufgetreten, habe geschrieben und Keramik hergestellt. Aufgrund des Klischees vom „hungernden Künstler“ bin ich jedoch von der Kunst abgewichen und habe mich in angrenzende Bereiche vorgewagt. Ich arbeitete in Museen und Kulturräumen und kümmerte mich um PR, Fundraising und Geschäftsstrategien. Ich habe sieben Jahre im Victoria and Albert Museum verbracht, dem britischen Nationalmuseum für Kunst und Design, dem wohl größten Museum für Kunst und Design der Welt. Es beherbergt eine große Auswahl an Artefakten, die von alter chinesischer Keramik über Meisterwerke der italienischen Renaissance bis hin zu modernster Mode und einer umfassenden digitalen Sammlung aus den 1950er Jahren reichen. Während meiner Zeit dort arbeitete ich an einer interaktiven digitalen Ausstellung namens Decode, die durch China und Israel tourte. Diese Erfahrung, gepaart mit der Begegnung mit innovativen Künstlern, inspirierte mich, mich der Animation zu widmen. Ich schätze, wie es bildende Kunst, Performance, Musik und Technologie vereint. Infolgedessen verließ ich meinen Job und mein Zuhause, gab alle meine Ersparnisse aus und schrieb mich für ein Masterstudium an der Bournemouth University ein.

Balance zwischen digitaler und traditioneller Kunst

[5:00] BW: Das V&A scheint für jemanden wie Sie ein idealer Ort zu sein, um seine Fähigkeiten zu verbessern. Ich bin neugierig, wie der Kontakt mit verschiedenen Kunstformen und Epochen Ihre Kunst beeinflusst hat. Heute besprechen wir zum Beispiel das Meisterwerk von Tamagata. Es erzählt die Geschichte von etwas Altem unter Verwendung moderner Technologie, wie z. B. Aquarellanimationen auf Computern. In Ihrer Arbeit herrscht eine faszinierende Balance zwischen klassischen Einflüssen und Technologie. Ich möchte aber auch über Ihre Zeichenpraxis sprechen. Meine Recherchen deuten darauf hin, dass Sie erst mit 36 ​​Jahren ernsthaft mit dem Zeichnen begonnen haben. Stimmt das?

[6:25] LC: Eigentlich war ich 39, als ich mich 2016 so richtig mit dem Zeichnen beschäftigt habe. Ich habe schon davor Gelegenheitszeichnungen gemacht und dabei die in London angebotenen Workshops zum spontanen Aktzeichnen genutzt. Obwohl ich einen Vollzeitjob hatte, konnte ich nach der Arbeit in ein Zimmer über einer Kneipe gehen, mir ein Bier holen und ein paar Stunden damit verbringen, zu zeichnen. Aber ungefähr zu dieser Zeit gründete ich direkt nach meinem Masterstudium mein Animationsstudio. Ich wollte nichts mit der ausbeuterischen Animationsindustrie zu tun haben, in der die Leute unterbezahlt und überarbeitet waren. Also begann ich mit der digitalen Markenarbeit für eine große Unternehmensmarke. Nach etwa drei Jahren sehnte ich mich nach einem greifbareren, strukturelleren menschlichen Kontakt mit dem Material. Ich war mit der digitalen Animation fertig und begann, das Zeichnen und Malen ernster zu nehmen.

Ungefähr zu der Zeit lernte ich auch meinen zukünftigen Ehemann kennen, der zufällig ein Lebensmodell war. Ja, wir haben uns kennengelernt, als er nackt in der Mitte eines Salons posierte. Er arbeitete damals mit einer Künstlerin namens Maggie Hambling zusammen, einer abtrünnigen Künstlerin aus den 60er und 70er Jahren. Sie hat einen großen Einfluss auf mich gehabt und herausgefordert, wer in der Kunst etwas erschaffen und dargestellt werden darf. Durch sie und meinen Mann habe ich mich intensiv mit dem Malen und Zeichnen beschäftigt, hauptsächlich mit Kohle und Öl, wobei ich nach dem Vorbild arbeitete.

Dann wurde ich für die TV-Talentshow „Porträtkünstler des Jahres“ ausgewählt, bei der wir live malten. Es war nervenaufreibend, aber auch eine großartige Gelegenheit, mich ernsthaft mit meiner Kunst zu beschäftigen. Nachdem ich in der Show gut abgeschnitten hatte, begann ich, Aufträge und Porträtmalaufträge zu bekommen. Dann merkte ich, dass mir der digitale Aspekt der Kunst fehlte, was mich dazu veranlasste, beides in dem zu kombinieren, was ich heute mache.

[10:29] BW: Das ist eine ziemliche Reise. Als jemand, der meine gesamte Arbeitszeit am Computer verbringt und den Großteil meiner kreativen Arbeit daran erledigt, bin ich etwas neidisch.

[10:51] LC: Ich liebe Computer und verbringe viel Zeit vor ihnen. Ich schätze jedoch die Gelegenheit, einen Schritt zurückzutreten und frisch zurückzukommen. Deshalb habe ich zwei Ateliers: eines für Computerarbeiten und eines für Malerei. Ich kann je nach Lust und Laune oder Deadlines zwischen beiden wechseln.

[11:17] BW: Es klingt vorteilhaft, die beiden Räume getrennt zu haben. Es muss eine mentale Veränderung auslösen, wenn man den Raum ohne Computer betritt und nicht durch digitale Geräte abgelenkt wird.

[11:33] LC: Auf jeden Fall, außerdem besteht keine Gefahr, dass Aquarelle auf den Computern verschüttet werden.

Der Einfluss von Betty Misheiker

[11:36] BW: Ein berechtigter Punkt. Wechselndes Thema: Können Sie mir etwas über Betty Misheiker erzählen?

[11:50] LC: Betty Misheiker war eine südafrikanische Kinderbuchautorin, die in den 1950er und 1960er Jahren mit dem Schreiben begann. Sie war sehr produktiv und die meisten Kinder, die zu dieser Zeit in Südafrika aufwuchsen, hörten wahrscheinlich vor der Schule ihre Geschichten im Radio, da sie immer ein Lied enthielten. Sie verfasste im Laufe ihres Lebens rund 2000 Geschichten, die bis auf eine alle als Bücher veröffentlicht wurden. Das ist die Geschichte, die mich zu ihr geführt hat.

Leider verstarb sie, bevor wir uns treffen konnten, aber ihre Tochter, Ilona Misheiker, jetzt Ilona Suschitzky, nahm an einem Animationsworkshop teil, den ich leitete. Ilona bestand darauf, eine Sequenz aus der unveröffentlichten Geschichte ihrer Mutter zu animieren, die Betty ihr zu ihrem 16. Geburtstag geschenkt hatte. Nach dem Workshop teilte Ilona die Bedeutung dieser Geschichte und ihre lebenslangen Bemühungen, sie zum Leben zu erwecken. Anfangs weigerte ich mich zu helfen und bot ihr an, ihr mein Setup zu zeigen, damit sie besser verstehen konnte, worum es bei Animationen geht. Die Geschichte verfolgte mich jedoch immer wieder. Nachdem wir es mit Roy, meinem Partner und Drehbuchautor, besprochen hatten, beschlossen wir, es in ein Animationsskript umzuwandeln. So wurde Betty Misheiker ab Januar 2020 ein fester Bestandteil unseres Lebens.

[14:53] BW: Beinhaltet Ihre Recherche das Lesen vieler anderer Geschichten von Betty Misheiker? Wollten Sie ihre Stimme in Ihrer Adaption einfangen?

[15:06] LC: Wir haben uns hauptsächlich auf die eine Geschichte konzentriert. Wir waren zuversichtlich, dass Ilona, ​​die Co-Regisseurin des Films ist, den wir machen, die Stimme ihrer Mutter angemessen wiedergeben und uns bei Bedarf zur Authentizität führen kann.

Von der Apartheid zur Kunst: Die verborgene Geschichte hinter „Das Meisterwerk von Tamagata“.

[15:33] BW: Auf Ihrer Website wird darauf hingewiesen, dass die Geschichte von „The Masterpiece of Tamagata“ als zu riskant für eine Veröffentlichung galt, als sie ursprünglich geschrieben wurde. Können Sie mir sagen, warum es als gefährlich angesehen wurde?

[15:42] LC: „Das Meisterwerk von Tamagata“ ist eine zutiefst emotionale Allegorie, die in der Realität der Apartheid in Südafrika verwurzelt ist, einer Zeit extremer gesellschaftlicher Spaltung aufgrund der Rasse. Betty Misheiker, eine weiße Jüdin, und ihre Familie, darunter eine junge schwarze Frau, die bei ihnen lebte, standen vor einer herausfordernden Situation. Die junge Frau wurde schwanger und durfte ihr Baby aufgrund der strengen Apartheid-Bestimmungen nicht in dem von Weißen ausgewiesenen Gebiet bei sich behalten.

Die Familie Misheiker konnte den Gedanken an die Trennung von Mutter und Kind nicht ertragen und beschloss, das Baby im Haus zu verstecken. Der kleine Junge, der im gleichen Alter war wie Ilona, ​​Bettys Tochter, wuchs in ihrem Schlafzimmer auf. Im Haus gelang es ihnen, den Anschein eines harmonischen, gemischtrassigen Familienlebens aufrechtzuerhalten. Als der Junge jedoch heranwuchs und die Schulpflicht immer größer wurde, wurde die Situation unhaltbar. Die Familie musste sich schließlich trennen und Mutter und Kind zogen weg, damit der Junge in einer Umgebung aufwachsen konnte, die sein Leben nicht gefährdete.

Es wird angenommen, dass Betty „Das Meisterwerk von Tamagata“ geschrieben hat, um diese Erfahrung zu verarbeiten. Das offene Schreiben über die Apartheid in Südafrika hätte sie jedoch ins Gefängnis bringen und das Leben des Jungen und seiner Mutter in Gefahr bringen können, weshalb die Geschichte im Verborgenen blieb. Jetzt, da sich die gesellschaftlichen Spaltungen weltweit verschärfen, erscheint es wichtiger denn je, dies zu teilen.

[19:58] BW: Hat Ilona weiterhin eine Beziehung zu der Frau und dem Jungen gepflegt, die gegangen sind?

[20:06] LC: Das ist ein Teil der Geschichte, die Ilona am besten erzählt. Ich kann jedoch sagen, dass man durch die Auseinandersetzung mit „Das Meisterwerk von Tamagata“ die emotionale Reise der Geschichte erleben kann, ohne sich mit den Besonderheiten des realen Ereignisses auseinanderzusetzen. Eine Allegorie hat eine einzigartige Kraft, die es den Menschen ermöglicht, ihre eigenen Erfahrungen und Interpretationen in die Erzählung einzubringen.

[20:57] BW: Tatsächlich ermöglicht allegorische Literatur wie „Die Metamorphose“ einzigartige, persönliche Interpretationen, und obwohl seit ihrer Niederschrift fast ein Jahrhundert vergangen ist, spricht sie den Einzelnen immer noch auf eine Weise an, die für ihn eine einzigartige Bedeutung hat .

[21:26] LC: Absolut. Die Art und Weise, wie Menschen auf „Das Meisterwerk von Tamagata“ reagieren, ist erstaunlich. Ich habe eine besondere Verbindung innerhalb der queeren Gemeinschaft und zwischen Personen beobachtet, die sich von der Mainstream-Gesellschaft ausgegrenzt fühlen und oft innere Fantasien als eine Form der Flucht entwickeln. Dies wurde während der COVID-Pandemie noch verstärkt.

Als wir diese Geschichte zum ersten Mal während der Mayfair Art Week in London präsentierten, verwandelten wir eine Boutique, die aufgrund der Pandemie leider geschlossen war, in die Welt von Tamagata. Wir hatten ein Bühnenmodell seines Hauses und Projektionen von fliegenden Vögeln und bemalten Bäumen. Obwohl wir nur wenige Sekunden Animation zur Verfügung hatten, konnten wir die Geschichte erzählen und die Resonanz war überwältigend.

Es gibt eine oberflächliche Geschichte über ein Paar, das keine Kinder bekommen kann, eine traurige Realität für viele, mich eingeschlossen, die eine unmittelbare Verbindung fördert. Aber darüber hinaus findet die Erzählung bei denen Anklang, die das Bedürfnis verspüren, der Welt zu entfliehen und einen Ort zu finden, an dem sie bequem nach ihren eigenen Prinzipien von richtig und falsch, Liebe und Glück leben können. Die Tatsache, dass wir alle die Fähigkeit haben, diese Welt in uns selbst zu erschaffen, sei es durch Malerei, die Schaffung eines Metaversums oder das Eintauchen in Musik oder Poesie, ist eine zutiefst kraftvolle Sache.

Mischung traditioneller und digitaler Kunsttechniken

[23:51] BW: Die Schönheit des Films ist absolut beeindruckend, besonders wenn man bedenkt, dass es sich ausschließlich um handgemalte Aquarelle handelt. Können Sie den Prozess und die Dauer dieser komplizierten Arbeit näher erläutern?

[24:12] LC: Sicherlich und vielen Dank. Wir nutzten sowohl traditionelle als auch digitale Techniken, ohne die eine der anderen vorzuziehen. Wir wollten japanische Tinten verwenden, da der Protagonist der Geschichte ein Maler ist. Also widmeten Ilona und ich zwei Jahre dem Erlernen der traditionellen Kunst der Sumi-e-Malerei. Trotz der mühsamen Aufgabe schien es notwendig, die eigentliche Aufgabe zu erledigen, obwohl die Tuschemalerei eine andere Fähigkeit als die Aquarellmalerei ist.

Wir hatten das Glück, hier in Großbritannien von einer Meisterlehrerin, Kami Lucas, zu lernen. Sie führte uns durch traditionelle Übungen, die wir dann für die Animation adaptierten. Um subtile Nuancen im Gesichtsausdruck einzufangen, haben wir mithilfe eines Sponsorings von TVPaint das digitale Zeichnen eingeführt. Eine erfahrene Animatorin, Natasha Settle, die ihren Abschluss am Royal College of Art gemacht hat, leitet den digitalen Bereich.

Unser Ziel war es, zwei gegensätzliche Welten zum Ausdruck zu bringen: die Welt des Shogun – ein männlicher, strukturierter, gefährlicher Bereich – und die Fantasie des Malers – ein weibliches, freies, weitläufiges Universum. Um dies zu erreichen, wird die Welt des Shoguns mit statischen, spärlichen Gemälden dargestellt, während Momente emotionaler Unruhe oder Fantasie durch im Wasser verteilte Tinte dargestellt werden.

Die Erstellung dieser Wasserszenen war eine herausfordernde Aufgabe, insbesondere da ich herausfinden musste, wie man durch Glas und Wasser filmt, um Tintentropfen einzufangen. Anfangs musste ich alle meine Aufnahmen verwerfen, da Reflexionen auftraten, weil die Tinte das Wasser dunkler machte. Jetzt arbeiten wir mit einem erfahrenen Kameramann zusammen, der zufällig Ilonas Ehemann ist. Sein Lebenslauf umfasst Werke wie „Die Rückkehr der Jedi-Ritter“ und „Rocky Horror Picture Show“, und er hilft uns beim Filmen einiger Sequenzen für den Film. Unser kleines Leidenschaftsprojekt hat einige erstklassige Hollywood-Talente angezogen.

[28:57] BW: Das ist eine unglaublich glückliche Verbindung. Sonst wäre es viel schwieriger gewesen, solche Talente zu finden.

[29:04] LC: Tatsächlich hätte es sein können.

Tradition und Innovation in Einklang bringen: Oper im NFT-Raum

[29:06] BW: Ich würde gerne das Stück „L'amoure rebelle“ besprechen. Ich denke, es spricht Bände über Sie als Künstler. Können Sie erklären, warum dieses Stück existiert und was es darstellt?

[29:27] LC: Absolut. „L'amoure rebelle“ war mein Durchbruch im Web 3-Bereich. Ursprünglich begann ich mit der Prägung bereits vorhandener Aquarellanimationen, aber dieses Stück entstand vollständig im NFT-Bereich. Sonst würde es nicht existieren.

Ich erinnere mich, wie ich 2021 in einem Londoner Bus an einem Clubhouse-Chat teilnahm. Eine neue Teilnehmerin verkündete, sie sei Opernsängerin, was faszinierend war – eine Verschmelzung von traditionellen und digitalen Welten. Daraus entstand die Idee, traditionelle visuelle und musikalische Praktiken mit modernster Technologie zu verbinden. Ich wollte das Potenzial von NFTs in Bereichen abseits des Mainstreams demonstrieren. Mein Gedanke war: Wenn man NFTs auf die Oper anwenden kann, kann man sie auf alles anwenden.

Meine Mitarbeiter Miranda und Zach hatten bereits daran gearbeitet, berühmte Arien neu zu arrangieren, um sie als NFTs zu veröffentlichen, standen jedoch vor Herausforderungen, da es zu dieser Zeit keine reine Musikplattform gab. Da sie keine bildenden Künstler waren, sprang ich ein. Wir schufen zunächst ein Teststück namens „Ethel Shultz“, das erfolgreich war. Anschließend haben wir vollständig in ein Opern-NFT investiert, das auf Carmens Arie „Habanera“ basiert.

In der Arie geht es um die Liebe als einen rebellischen Vogel, den wir als Metapher für Technologie und Web 3 betrachteten – die ständige Präsenz, das Ärgernis und doch die schwer fassbare Natur, wenn man versucht, sie zu begreifen. Wir haben diese Arie in eine Metapher für unsere digitale Welt verwandelt und einen Teaser als NFT veröffentlicht. Dies erregte die Aufmerksamkeit einiger Leute in LA und führte zur allerersten Live-Oper NFT. An der Aufführung nahmen Musiker der LA Philharmonic, der Modeschöpfer Rami Kadi und Animationen von Kohlezeichnungen teil. Jede intime Aufführung bot ein einzigartiges, immersives Erlebnis.

Die immersive Kraft von Live-Auftritten

[33:34] BW: Das ist wunderschön. Dieses Stück spricht zu mir über dich. In einem Interview im Jahr 2020 haben Sie Ihre Faszination für die Reibung zwischen traditioneller Handwerkskunst und neuer Technologie erwähnt. Ich sehe, dass Sie in Ihrer Arbeit Altes und Neues in Einklang bringen, beispielsweise eine klassische Oper in einen modernen Kontext stellen. Es ist von Hand gezeichnet, die Postproduktion erfolgt jedoch am Computer und es ist auf einer Blockchain erstellt. Hinzu kommt eine immersive Live-Performance, die manche als eine Auseinandersetzung mit der Kryptokunst betrachten könnten. Es scheint, als würde es Ihnen Spaß machen, die Grenze zwischen diesen Welten zu beschreiten. Sehnen Sie sich jemals nach Einfachheit?

[35:29] LC: Wenn Sie meine Eltern oder Geschwister kennen würden, würden Sie verstehen, dass es nicht wirklich in unserer genetischen Ausstattung liegt, den einfachen Weg zu gehen. Glauben Sie mir, ich habe versucht, die Dinge zu vereinfachen. Aber wenn meine Arbeit nicht etwas Neues und Anderes ist, wenn sie das Medium nicht weiterentwickelt oder dem Publikum etwas Neues zum Erleben bietet, sehe ich einfach keinen Sinn darin. Wenn mein Ziel kommerzieller Erfolg gewesen wäre, hätte ich einen anderen Karriereweg eingeschlagen. Was ich liebe, ist, mit Kreativität zu spielen und zu erforschen, was es bedeutet, ein Mensch zu sein.

Der immersive Aspekt ist mir wichtig. Ich habe einen Live-Theater-Hintergrund und hatte immer Probleme mit rein digitalen Erlebnissen. Deshalb war es eine Selbstverständlichkeit, als sich die Gelegenheit bot, L'amoure Rebelle live aufzuführen. Dann haben wir auf der Non-Fungible-Konferenz in Lissabon die Oper in einem riesigen Raum projiziert. Es war eine erstaunliche Erfahrung, das Digitale und das Physische zu kombinieren, sowohl im Produktionsprozess als auch bei der endgültigen Aufführung.

[38:20] BW: Ich habe einige Fotos und Videos dieser Installation in Lissabon gesehen. Ich wünschte, ich hätte da sein können.

[38:30] LC: Es war unglaublich. Es war eine erstklassige NFT-Konferenz.

[38:36] BW: Sie haben William Kentridge als Inspiration für L'amoure Rebelle erwähnt. Wie wichtig war er für Ihre Arbeit?

[38:49] LC: Ich bewundere William Kentridge zutiefst. Es gibt viele Parallelen in unseren Karrieren. Er begann, genau wie ich, mit dem Theater und gelangte über die Kohlezeichnung zum Filmemachen und zur Oper. Er ist einzigartig in dem, was er tut, insbesondere in seiner Kombination aus bewegten und unbewegten Bildern, Performance und Musik. Es gibt nicht viele Künstler auf seinem Niveau, die das Gleiche tun. Ich finde zwar Inspiration in der Arbeit vieler talentierter Künstler in meiner Gemeinde, aber wenn ich an eine große Ausstellung in einer großen nationalen Institution denke, wäre Kentridge eine der inspirierendsten.

Schnittpunkte von Tanz, Theater und Animation

[40:11] BW: Apropos Inspirationen: Eine weitere Person, die wir beide bewundern, ist Pina Bausch. Sie haben sie als Inspiration für Ihren Kurzfilm „The Library“ erwähnt. Könnten Sie das näher erläutern?

[40:37] LC: Meine Mutter arbeitete mit Pina Bausch zusammen, also hatte ich das Glück, ihr beim Tanzen zuzusehen. Als Kind habe ich in London „Café Müller“ gesehen, in dem sie getanzt hat, und es berührt mich auch fast 40 Jahre später immer noch. Ihre Verwendung von Wiederholungen in der Bewegung, durch die sie eine Erzählung aufbaut, scheint für Animationen besonders relevant zu sein. Angesichts der Tatsache, dass Animationen aufwändig sind, ist es von entscheidender Bedeutung, wirtschaftlich zu sein und Elemente wiederzuverwenden. Deshalb werden Schleifen, Laufzyklen usw. verwendet. Dies veranlasste mich, mit Schleifen und wiederholten Aktionen zu experimentieren, um eine Erzählung zu entwickeln, und Pina Bausch war eine großartige Inspirationsquelle dafür . Für diejenigen, die es nicht kennen: Sie war die Gründerin des Dance Theatre for Batal, einer legendären experimentellen modernen Tanzkompanie. Sie ist vor etwa einem Jahrzehnt verstorben und wird in der Welt des Tanzes und Theaters sehr vermisst.

Eine weitere Inspiration war Samuel Beckett, der ein algorithmisches Drehbuch für ein Theaterstück mit Robotern schrieb. Seine Arbeit zeigte, wie unsere menschliche Natur die einfachsten Handlungen mit einer Erzählung überlagert. Pina Bauschs und Becketts Verwendung von Wiederholungen in verschiedenen Kontexten sowie meine eigenen Erfahrungen bei Live-Auftritten, bei denen jede wiederholte Aufführung einzigartig ist, haben meine Arbeit beeinflusst. Ich bemühe mich, diesen lebendigen Funken in die vorgerenderte Welt der Animation zu bringen, und die Arbeit von Bausch im Hinterkopf zu behalten war dabei unglaublich hilfreich.

[43:38] BW: Ich empfehle den Zuschauern, sich die Dokumentation von Wim Wenders über Pina Bausch anzusehen. Ich hatte das Glück, den Film in 3D im Kino sehen zu können. Ich habe sie nie live gesehen, aber ich habe ihre Firmentour in Brooklyn gesehen, was bemerkenswert war. Ich bin überrascht, von diesem Beckett-Stück zu hören, da er einer meiner Favoriten ist.

[44:06] LC: Es ist nicht bekannt. Ich bin mir nicht einmal sicher, wie ich es gefunden habe oder wie es heißt, aber es besteht aus ein paar Textzeilen und einem Diagramm, einer Anleitung für die sich wiederholende Bewegung von A nach B, von B nach C usw. bis ins Unendliche.

[44:24] BW: Das erinnert mich an Becketts „Malloy“, wo die Figur akribisch Steine ​​von Tasche zu Tasche bewegt, um den ganzen Tag über das Gleichgewicht zu halten. Ich möchte die Aufmerksamkeit auf „The Library“ lenken, einen großartigen Kurzfilm, den Sie erstellt haben. Es ist ein wunderschöner, stiller Tanz, bei dem die Anziehungskraft auf einen Fremden wächst, wenn man ihn aus der Ferne beobachtet, ein Tanz der Gefühle, den wir wahrscheinlich alle schon einmal erlebt haben. Ich kann jedem nur wärmstens empfehlen, es auszuprobieren.

[45:52] LC: Das war meine Abschlussarbeit. Im Auftrag der London Library beobachtete ich eine Woche lang die Leser und fing ihre verstohlenen Blicke ein. Die Charaktere basieren auf realen Menschen und ihren Geschichten über unterdrückte Wünsche in der Bibliothek. Ich denke, der Slogan lautet „Bibliotheksetikette versus fleischliche Gelüste“.

[46:43] BW: Sie betreiben zusammen mit Ihrem Ehemann Roy Joseph Butler, der in vielen Ihrer Werke vorkommt, wie zum Beispiel „Being“, ein Studio, Figuration. Können Sie mir mehr über Ihre kreative Dynamik erzählen?

[47:06] LC: Unsere Dynamik ist sehr natürlich. Wir diskutieren ständig über Ideen, und wenn ein Projekt ansteht, verfügen wir über die gemeinsamen Fähigkeiten, es so weit zu entwickeln, dass wir es um eine Finanzierung bewerben können. Wir erforschen ähnliche Geschichten, sind aber auch individuelle Schöpfer. Er schreibt für andere und ich animiere für andere, was für uns gut funktioniert. Was Roy mir beigebracht hat, ist, die gemeinsame Schaffung eines Kunstwerks zu schätzen. Es geht nicht nur darum, dass der Künstler die Spuren auf der Leinwand hinterlässt. Der Dargestellte, der Produzent oder jeder andere Beteiligte kann Einfluss auf das Stück nehmen. Hier ist Web 3 spannend. Wenn Sie in NFTs investieren, beteiligen Sie sich an der Entstehung und am Leben des Projekts und nehmen am Akt der Mitgestaltung teil.

[50:23] BW: Ich habe mit zahlreichen Künstlern über Zusammenarbeit gesprochen – was sie gut macht, was sie schlecht macht. Was ich immer wieder gehört habe, ist, dass es frustrierend sein kann, wenn die Zusammenarbeit etwas ist, das man selbst hätte erledigen können. Wenn Sie über die gleichen Fähigkeiten oder einen ähnlichen Stil wie Ihr Mitarbeiter verfügen, kann dies zu Spannungen führen, während Sie darauf warten, dass die Dinge zu Ihnen zurückkommen. Dies kann bei statischer visueller Kunst anders sein als bei Animation und Geschichtenerzählen, die ein kontinuierliches, tiefergehendes Gespräch erfordern. Aber ich bin neugierig auf die ergänzenden oder gegensätzlichen Fähigkeiten, die Sie und Roy in Ihre Zusammenarbeit einbringen?

[51:24] LC: Nun, Roy würde sagen, dass er nicht zeichnen kann, obwohl ich vielleicht anderer Meinung bin. Aber wir haben in einem Projekt unterschiedliche Vorlieben, und diese verschmelzen ganz natürlich. Im weiteren Kontext der Zusammenarbeit hängt es von der Art des Projekts ab, ob Sie unterschiedliche oder ähnliche Fähigkeiten benötigen. In der Welt der Filmaufführungen oder Musik sind aufgrund des enormen Arbeitsaufwands häufig mehrere Teams erforderlich. Damit es funktioniert, müssen Sie einer Meinung sein, dem gleichen Stil folgen und harmonisch zusammenarbeiten. Manchmal muss man also gleich sein, manchmal anders. Was eine Zusammenarbeit ausmacht, ist die Art und Weise, wie Sie die Erwartungen der Menschen an ihre Rollen definieren und verwalten.

Ökonomische Realitäten einer Kunstkarriere

[52:35] BW: Lassen Sie uns in diesem Interview etwas die Richtung ändern. Neben dem Kennenlernen möchte Pixels and Paint unserem Publikum auch dabei helfen, sich in seiner Kunstkarriere zurechtzufinden. In diesem Sinne habe ich ein paar Fragen an Sie, wenn Sie dazu bereit sind. Du bist ein experimenteller Animator, dessen Arbeit sich oft auf queere Themen konzentriert und Nacktheit zeigt. Wie verdient man Geld?

[53:16] LC: Vor einiger Zeit habe ich beschlossen, nicht nur mit meiner eigenen Kunst Geld zu verdienen. Das mag umstritten sein, aber ich glaube nicht, dass viele Künstler tatsächlich davon überleben, nur die Kunst zu schaffen, die sie machen wollen. Ich hatte eine kommerzielle Praxis, in der ich auf Aufträge arbeitete, und arbeitete als Agentur, die Kunst für Marken schuf, aber nichts davon erfüllt meine künstlerischen Ambitionen. Der einzige Weg, den ich gefunden habe, um frei genug zu sein, um das zu schaffen, was ich will, und das kein Produkt ist, ist die Diversifizierung. Ich unterrichte, schreibe Bücher, halte Vorträge, spreche bei Veranstaltungen und arbeite als Berater für gemeinnützige Organisationen. Dieser Ansatz bietet die Flexibilität, mich bei Bedarf auf meine Kunstpraxis zu konzentrieren. Natürlich hat es Jahre gedauert, ein Kundenportfolio aufzubauen, das dies ermöglicht. Selbst wenn ich jetzt die Kunst mache, die ich möchte, sichere ich mir die Finanzierung dafür. Wir haben für unser aktuelles Projekt einen erheblichen Betrag gesammelt, hauptsächlich um die Beteiligten zu bezahlen. Ich bitte niemanden, kostenlos an einem Projekt zu arbeiten, es sei denn, er hat Anteile daran. Ich möchte nicht zur Ausbeutung in der Kunstwelt beitragen. Diese Finanzierung stammt aus verschiedenen Quellen, darunter aus öffentlichen Stellen wie dem Arts Council, England, dem Privatsektor und NFTs. Insgesamt stelle ich sicher, dass ich über ein ausreichendes regelmäßiges Einkommen aus der Arbeit außerhalb meiner kreativen Tätigkeit verfüge, um meinen Lebensunterhalt zu bestreiten. Durch das Unterrichten kann ich beispielsweise kontinuierlich darüber nachdenken, warum ich das tue, was ich tue. Es frischt meine Perspektive für mein nächstes Projekt auf.

Kreativer Karriereaufbau

[57:57] BW: Ja, es scheint, dass Lehren ein großartiges Lernmittel ist. Glauben Sie, dass der Aufbau einer kreativen Karriere einen kreativen Prozess erfordert?

[58:14] LC: Das ist eine gute Frage. Die Antwort muss ja sein. Bei Kreativität geht es ums Experimentieren und darum, ständig neue Wege zu finden, Dinge zu tun, was sich auch auf den Karriereaufbau auswirken kann. Um ein echter Kreativer zu sein, muss man Risiken eingehen. Einige der kreativsten Menschen, die ich kenne, haben einen Teilzeitjob an der Universität. Es gibt ihnen die Freiheit, darüber hinaus zu tun, was sie wollen. Es ist wichtig herauszufinden, was für Sie funktioniert, denn jeder ist anders und Sie werden es nur durch Versuch und Irrtum finden. Bei Kreativität dreht sich alles ums Scheitern; Man lernt nichts, wenn man etwas gut macht.

[59:24] BW: Dann bin ich auf dem richtigen Weg. Wie verwalten Sie Ihre Zeit? Wie priorisieren Sie als Künstler Aufgaben? Setzen Sie sich Fristen? Wie sieht es auf der Innenseite Ihres Kalenders, Ihrer Planung aus?

[59:47] LC: Ich habe viele Theorien, Prozesse und Tabellenkalkulationen, aber sie bleiben oft ungenutzt. Bestimmte Dinge haben Fristen und geraten daher in die Warteschlange. Die Schwierigkeit liegt in den frühen Entwicklungsphasen neuer Projekte, in denen es keine Finanzierung gibt oder sich niemand darauf verlässt, dass die Projekte umgesetzt werden. Es ist nur für mich. Das wird also oft in den Hintergrund gedrängt, was ein Fehler ist, denn das ist es, was alles antreibt. Ich habe es mit Zeitblockierungen versucht, zum Beispiel jeden Morgen von sieben bis zehn für mich im Studio. Ich habe verschiedene Dinge ausprobiert. Ich habe es noch nicht ganz herausgefunden.

[1:01:31] BW: Zeitblockierung ist etwas, was ich dieses Jahr gemacht habe, und es hat mein Leben verändert. Ich verwende eine App namens „Session“. Ich plane jede Stunde meines Tages, von neun bis fünf, in 15-Minuten-Schritten und mache dann alle 10 Minuten 15-minütige Pausen. An den Tagen, an denen ich in den Pausen arbeite, stoße ich gegen zwei oder drei Uhr an eine Wand. Aber wenn ich regelmäßig Pausen mache, bleibe ich den ganzen Tag frisch.

[1:02:33] LC: Eine Sache, die ich habe, ist immer, eine Zeichnung oder ein Gemälde im Gange zu haben. Wenn ich vor dem Computer auf einen Block treffe, gehe ich nebenan und zeichne 20 Minuten lang. Das hilft mir wirklich.

[1:02:49] BW: Ich mache Musik, daher wäre es gut, dafür einen eigenen, immer bereiten Raum zu haben.

[1:02:57] LC: Absolut. Wenn man es einrichten und anschließend aufräumen muss, wird man es nicht tun. Es muss bereit sein und auf Sie warten.

[1:03:08] BW: Das erinnert mich entweder an Philip K. Dick oder Isaac Asimov, der überall in seinem Haus mehrere Schreibmaschinen hatte. Ganz gleich, in welchem ​​Zimmer er sich befand, in der Schreibmaschine wartete eine Geschichte auf ihn, an der er arbeiten konnte.

[1:03:30] LC: Das ist eine gute Idee, sie kommt bei mir gut an.

Eine Umgebung schaffen, die der Kreativität förderlich ist

[1:03:34] BW: Meine nächste Frage habe ich mehreren Künstlern gestellt und ist für Sie besonders relevant. Wie äußert sich Frustration in Ihrer kreativen Praxis? Und was tun Sie, um darüber hinwegzukommen? Wenn ich das Leute frage, die alleine an ihren Computern arbeiten, ist das eine Sache. Aber wenn ich jemanden frage, der mit 10–20 anderen an einem Projekt zusammenarbeitet, erwarte ich eine andere Antwort.

[1:04:14] LC: Frust entsteht für mich oft, wenn ich versuche, mehrere Rollen unter einen Hut zu bringen. In Tamagata zum Beispiel bin ich Produzent, Regisseur, Animator, Komponist und Redakteur. Ich habe also gleichzeitig kreative, Management- und Führungsrollen inne. Das Team ist in verschiedene Aufgabenbereiche wie Malen, digitales Arbeiten, Musik, Komposition und Schreiben aufgeteilt. Sie wissen nicht unbedingt, was der andere tut, und ich muss sie zusammenbringen. Es ist eine ziemliche Aufgabe. Für mich ist es frustrierend, wenn mir das nicht gelingt und andere dann aufgehalten werden und ihren Schwung verlieren. Das passiert, wenn ich mich mit meinen anderen Aufgaben beschäftige. Was die kreative Blockade angeht, habe ich damit keine wirklichen Probleme, da ich an mehreren Projekten arbeite. Wenn eines nicht funktioniert, gehe ich zu einem anderen oder gehe spazieren. Ich versuche nicht, es durchzusetzen. Am frustrierendsten ist es, wenn die Arbeit einer Person unbrauchbar ist, weil der Auftrag nicht klar war. Das ist frustrierend für sie und für mich, weil ich weiß, wie es ist, auf der Empfängerseite davon zu sein.

[1:06:58] BW: Ich habe noch eine letzte Frage, eine Variation eines Themas, das ich normalerweise stelle. Was ist die jüngste tiefgreifende Erkenntnis, die Sie über Kreativität, den kreativen Prozess oder die für Kreativität notwendige Denkweise gewonnen haben?

[1:07:49] LC: Die lebensveränderndste Erkenntnis für mich war, dass Kreativität keine Wahl ist, sondern genauso wichtig wie Atmen oder Essen. Wenn ein Tag vergeht und ich nicht zeichne, male oder mit einem physischen Medium interagiere, spüre ich es. Es beeinflusst alles andere in meinem Leben. Ich denke, jeder braucht den Raum, in dem unser Geist vom logischen Denken zu einer kreativeren Denkweise übergehen kann. Ohne sie beginnen die Dinge auseinanderzufallen.

[1:09:14] BW: Ich habe diese Erkenntnis auch erlebt, obwohl es für mich eher mit der Musik zu tun hat. Könnten Sie im Anschluss den Kontext dieser Erkenntnis erläutern?

[1:09:41] LC: Es gab Zeiten, in denen ich dachte, Künstler zu sein sei nachsichtig. Es ist ein selbstreflexiver Prozess, der möglicherweise nicht der lukrativste oder praktischste ist, insbesondere wenn Sie eine Familie ernähren müssen. Also dachte ich darüber nach, andere Jobs anzunehmen, die mir andere angeboten hatten. Ich stellte jedoch fest, dass ich meine Autonomie und meine kreativen Impulse nicht aufgeben konnte. Mir wurde klar, dass es nicht egoistisch ist; es ist grundlegend. Diese Kreativität treibt nicht nur mich an, sondern auch andere, die ähnliche Erfahrungen machen. Das entdecken wir mit Tamagata. Die Resonanz, die diese Geschichte bei den Menschen hervorruft, zeigt, wie wichtig sie in der heutigen Welt ist. Ich würde mir zwar wünschen, dass es erfolgreich ist, aber ich möchte vielmehr, dass es eine Verbindung zu den Menschen herstellt und ihnen ermöglicht, es auf ihre eigene Weise zu nutzen und ihre Erfahrungen mit denen anderer zu verbinden.

[1:12:13] BW: Das ist wunderschön. Ich bin froh, dass ich diese Frage gestellt habe, und jetzt weiß ich, wie ich sie besser stellen kann. Während wir zum Abschluss kommen, Leo, erzähl uns von dem bevorstehenden Tamagata-Drop.

[1:12:32] LC: Der Tamagata-Spielfilm ist derzeit in Produktion. Während der Produktion veröffentlichen wir NFTs als Teil der Tamagata-Kollektion. Dies geschieht unter dem Banner von Adverset NFT über Baker Space. Wir haben bisher zwei veröffentlicht. Die erste Auflage ist auf 30 Exemplare limitiert und kostet jeweils 99 US-Dollar. Die meisten Exemplare wurden bereits gesammelt. Wenn Sie eines möchten, empfehle ich Ihnen, schnell zu handeln. Das zweite ist ein Video, das in 40 Fuß Höhe an verschiedenen Orten rund um Paris und den New Yorker Times Square ausgestellt wurde. Es handelt sich um eine der kultigsten Aufnahmen des Films und wird ab dem 22. Juni 2023 mit einer Reserve von drei Ether versteigert. Mit fortschreitender Filmproduktion wird die NFT-Sammlung erweitert, wobei jede einzelne eine neue Phase in der Produktion bis zum Film markiert freigeben.

[1:13:45] BW: Das ist faszinierend.

[1:13:47] LC: Nach der Veröffentlichung wird der Film an Festivals und dann zum Vertrieb geschickt.

[1:14:12] BW: Das ist wunderschön. Nun, Leo, vielen Dank, dass du dir die Zeit genommen hast. Entschuldigung, ich habe hier einen Besucher, der meine Aufmerksamkeit braucht.

[1:15:16] LC: Brady, ich möchte deine Zeit mit der Familie nicht beeinträchtigen. Es war mir ein Vergnügen. Vielen Dank für Ihre aufschlussreichen Fragen und dafür, dass Sie sich in die Tiefe der Projekte vertieft haben.

[1:15:31] BW: Danke, Leo, dass du gekommen bist. Ich schätze die Tiefe unseres Gesprächs und Ihre Geduld mit meiner Neugier. Der Drop findet am 22. statt, also verpassen Sie ihn nicht. Wenn ja, gibt es immer den Sekundärmarkt. Das ist ein erstaunliches Projekt und absolut wunderschön. Schauen Sie es sich an. Können Sie uns an Ihre Website erinnern?

[1:16:04] LC: Es ist leocrane.co.uk.

[1:16:07] BW: Großartig. Vielen Dank, Leo.

[1:16:13] LC: Ich möchte auch Makers Place für ihre Unterstützung und Julian Farrell (@AnimusNFT) dafür danken, dass er diesen NFT-Drop mit mir produziert hat. Diese Zusammenarbeit verkörpert Co-Creation.

[1:16:40] BW: Auf jeden Fall. Zuhörer können sich auch mein Interview mit Animus bei Makers Place ansehen. Nochmals vielen Dank, Leo. Beifall.

Hör dir die Folge an Apple Podcasts, Spotify, Bedeckt, IHeart, playerfm, Podjäger, Boom spielen, Einschalten, Podbean, Google Podcasts, Amazon Musik, oder auf Ihrer bevorzugten Podcast-Plattform.

Lesen Sie die Shownotizen

Für Updates zu allen unseren bevorstehenden Künstler- und Sammlerinterviews abonnieren Sie unten unseren Newsletter.

• SEO-gestützte Content- und PR-Distribution. Holen Sie sich noch heute Verstärkung.
• PlatoData.Network Vertikale generative KI. Motiviere dich selbst. Hier zugreifen.
• PlatoAiStream. Web3-Intelligenz. Wissen verstärkt. Hier zugreifen.
• PlatoESG. Automobil / Elektrofahrzeuge, Kohlenstoff, CleanTech, Energie, Umwelt, Solar, Abfallwirtschaft. Hier zugreifen.
• BlockOffsets. Modernisierung des Eigentums an Umweltkompensationen. Hier zugreifen.
• Quelle: https://rare.makersplace.com/2023/06/21/transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration/?utm_source=rss&utm_medium=rss&utm_campaign=transcript-e09-leo-crane-tech-in-service-of-tradition-tactile-art-practices-and-constant-collaboration