On May 31, Robert Morganist der mulmige Horrorfilm Bewegung stoppen wird mit dem Streaming auf Shudder beginnen. Aber Hardcore-Horror-Fans haben ab dem 23. Februar die Chance, den Live-Action-/Animations-Hybrid frühzeitig in den Kinos zu sehen – und das sollten sie sich nicht entgehen lassen. Es lässt sich am besten im Kino erleben, da die gruseligen Bilder, die kurvige Geschichte und die besonders gruselige Geräuschkulisse den Ton angeben.

Bewegung stoppen Es geht um eine junge Stop-Motion-Animatorin, die mit dem Tod ihrer herrschsüchtigen, gefeierten Animatormutter zurechtkommt und pflichtbewusst versucht, ihre Arbeit fortzusetzen. Doch dann wird sie in ein verstörendes neues Projekt hineingezogen, das für sie zum Leben erwacht – vielleicht im wahrsten Sinne des Wortes. Aisling Franciosi (Star von Die Nachtigall, Jennifer Kents gruselige Fortsetzung von Die Babadook, und ein vorgestellter Spieler auf Die Legende von Vox Machina und Game of Thrones) spielt die Animatorin Ella, deren Trauer, Trotz und Entschlossenheit, sich einen Namen zu machen, sie in dunkle Richtungen führen, die sich in der von ihr erstellten Animation auf der Leinwand abspielen.

Regisseur und Co-Autor Robert Morgan, ein bekannter Stop-Motion-Animator seine gruseligen Shortseinschließlich Die Katze mit den Händen und Morgen werde ich Dreck sein, gibt sein Spielfilmdebüt mit Bewegung stoppen, und er nutzte seine Karriere in diesem Bereich, um dem Film ein besonders greifbares, detailgetreues Gefühl zu verleihen, das seine blutigen Horrorelemente ausgleicht. Polygon sprach mit ihm auf dem Filmfestival Fantastic Fest 2023 in Austin, Texas, darüber, wo er sich in diesem Film positioniert hat, wie er die gesamte Animation selbst verwaltet hat, wen er für den Papst der Fleischpuppen-Animation hält und warum Stop-Motion so ist eine nekromantische Kunst.

Dieses Interview wurde aus Gründen der Prägnanz und Klarheit bearbeitet.

Polygon: Der Titel dieses Films ist auf interessante Weise mehrdeutig – es gibt viele verschiedene Möglichkeiten, „Stop Motion“ zu lesen. Haben Sie sich auf diese verschiedenen Ebenen konzentriert?

Robert Morgan: Definitiv. Ich habe lange versucht, mir den richtigen Titel dafür auszudenken, und „Bewegung stoppen„kam schon früh auf, als wir es schrieben. Mir gefiel die Direktheit, aber auch die Tatsache, dass es noch zwei, drei weitere Interpretationsmöglichkeiten gibt, gefällt mir. Es gibt einen Widerspruch zwischen „Stopp“ und „Bewegung“ – etwas, das gleichzeitig tot und lebendig ist. Aber Sie stoppen auch die Bewegung. Das hat ein etwas unheilvolles Gefühl, das vielleicht mit Mord zu tun hat.

Die Zeile des Films, die am härtesten trifft, handelt von der Stop-Motion-Animation als „der Kunst, tote Dinge zum Leben zu erwecken“. War diese Idee Teil der Entstehung dieses Projekts?

Es ist ganz natürlich entstanden, als wir es geschrieben haben. Ich meine, die Entstehung hat wirklich mit meiner eigenen Erfahrung beim Erstellen von Animationsfilmen zu tun und mit dem Gefühl, dass sie ein Eigenleben entwickeln. Wenn Sie bei etwas in einen echten kreativen Groove geraten und es sozusagen anfängt, zu Ihnen zu sprechen, Ihnen zu sagen, was es sein möchte – das kann eine wirklich aufregende Erfahrung sein, aber Sie können es sich auch als eine sehr beängstigende Erfahrung vorstellen . Wenn es vielleicht ein unheilvolles Ziel gibt – es hat immer sein eigenes Bewusstsein, seine eigene Kreativität. Und vielleicht ist es ihm egal, was du willst oder was gut für dich ist – es will einfach nur sein eigenes Ding.

Das war also der Ursprung davon. Doch dann gerieten all die anderen Dinge rund um das Medium Stop-Motion in den Windschatten der Idee. Stop-Motion is darum, ein unbelebtes Objekt zum Leben zu erwecken. Stop-Motion hat fast eine Black-Arts-Qualität, diese Idee, Dinge zu beschwören und sie wieder zum Leben zu erwecken. Es ist wie Nekromantie. Darunter läuft dieser Strom dunkler, seltsamer Dinge.

Es gibt so viele Stellen in diesem Film, an denen man die Puppen sieht, ohne dass sie sich bewegen – und sie sehen unglaublich gruselig aus, ohne die Flüssigkeit und Persönlichkeit, die ihnen Animationen verleihen. Fühlt sich das für Sie als Animator an Ihren eigenen Sets tatsächlich so an? Oder ist das nur etwas, was das Publikum erleben kann?

Wahrscheinlich Letzteres. Ich meine, ich finde sie nicht gruselig, ich finde sie ziemlich süß! Aber ja, wenn man gesehen hat, wie sich eine dieser Puppen bewegt, und sie dann noch einmal im Bühnenbild betrachtet, trägt sie das in sich Bedrohung der Bewegung. Mag ich könnte werde einfach lebendig. Es gibt eine Szene im Film, in der Ella mit ihrem Freund telefoniert, ihre Puppe ansieht und ihren Kopf wegdreht. Das war eine kleine Anspielung auf dieses Gefühl, etwa: Sieht es mich an? Und Sie kennen ihre Absichten auch nicht ganz. Sie wissen nicht, was sie wollen.

Wie haben Sie es geschafft, eine Stop-Motion-Figur und einen Live-Schauspieler in derselben Einstellung zu mischen?

Es ist eine sehr, sehr komplizierte Szene mit einem sehr sorgfältigen Storyboard. Wir bauten dieses Schlafzimmer auf der Bühne und dann ein zweites Schlafzimmer mit erhöhtem Boden, das genau dazu passte. Dann drehten wir die Live-Action-Platten mit Aisling im Bett. Und dann haben wir alle Kamerawinkel, Lichter und alles gemessen und genau die gleichen Winkel in der Stop-Motion-Version nachgebildet. Wir mussten den Boden anheben, da man auf einem tatsächlichen Boden keine Animation nach unten durchführen kann. Wir hatten also ein erhöhtes Set mit Falltüren, damit der Animator herauskommen und es animieren konnte, und dann wurde alles zusammengesetzt.

In der Frage-und-Antwort-Runde, die ich nach der Vorführung dieses Films beim Fantastic Fest gesehen habe, sagten Sie, dieser Film sei ein wenig autobiografisch, gerade insofern, als Ihre Kunst ein Eigenleben entwickelt. Aber was ist mit der größeren Geschichte, dem Leben im Schatten eines großen Schöpfers und dem Versuch, die eigene Identität zu finden? Ist das etwas Persönliches für Sie?

Nein, das war eine reine Erfindung. Was ich nachvollziehen kann, ist das Gefühl, unbedingt kreativ sein zu wollen, aber nicht das Gefühl zu haben, etwas zu sagen zu haben. Das war sicherlich meine Erfahrung. Als ich jünger war, wollte ich Filmemacher werden, ich wollte Künstler werden, aber ich wusste nicht, was meine Stimme war. Und das ist etwas, womit sich meiner Meinung nach viele Künstler identifizieren können.

Es ist, als ob Sie einen überwältigenden Drang verspüren: Ich möchte ein Teil davon sein, ich möchte Kunst machen. Und dann setzt man sich hin und versucht, sich etwas auszudenken, aber es fühlt sich so an, als ob Ich weiß nicht, was ich nicht weiß, wer ich bin oder was ich sage. Und das muss man sich ganz allmählich verdienen, im Leben und durch den Konsum anderer Kunst. Allmählich passiert es. Also dieses Element, mit dem ich mich identifizieren kann. Aber Ellas Mutter wollte es nur noch verstärken, um die Erfahrung für sie noch schlimmer zu machen. Denn sie lebt nicht nur im Schatten von jemand anderem, sondern wird von ihrer Mutter sogar fast selbst als Marionette benutzt.

Mir ist aufgefallen, dass ihre Mutter sie als Zärtlichkeit immer wieder „Poppet“ nennt, aber meistens hört es sich so an, als würde sie „Marionette“ sagen.

Wir haben es bewusst manchmal als „Poppet“, manchmal als „Marionette“ gemacht. Wir haben die Grenze hier bewusst verwischt.

Sie sagten, der gesamte Film sei in 25 Tagen gedreht worden.

Jedes Mal, wenn Animation und Live-Action gleichzeitig stattfinden, wurde alles innerhalb von 25 Tagen gleichzeitig mit dem Live-Action-Dreh gedreht. Nach den Dreharbeiten richtete ich während des Schnitts ein kleines Studio in meinem Wohnzimmer ein und drehte den gesamten Film-im-Film-Sachen – den gesamten Cyclops-Sachen, den Film der Mutter und den gesamten Film von Ella. Ich habe das selbst mit null Geld und null Budget in meinem Wohnzimmer gedreht, während ich den Film geschnitten habe. Es war also eine intensive Postproduktion. Es ging einfach weiter. Aber das Gute daran ist, dass ich, da ich keinen strengen Zeitplan mehr habe, die Dinge etwas lockerer angehen und die Animation an den Schnitt anpassen könnte, während er entsteht.

Können Sie etwas über das blaue Ei sagen, mit dem der Film beginnt und das wir als wiederkehrendes Element betrachten? In diesem Film steckt viel Symbolik, und ich hatte das Gefühl, dass ich das meiste davon mitverfolge, aber das blaue Ei entgeht mir, wenn es darum geht, was man als Reaktion darauf empfinden soll.

Es ist mysteriös. Ich kann nicht wirklich darüber reden. Für mich hat es etwas mit dem Tod zu tun und etwas mit Kreativität. Das ist alles, was ich dazu sagen kann. Schauen Sie sich den Film also noch einmal an!

Ich denke, dass Menschen, die sich mit der Geschichte des Stop-Motion-Films auskennen, beim Ansehen dieses Films unweigerlich an Jan Švankmajer denken werden. War er ein Einfluss?

Wenn Sie Puppen aus Fleisch basteln möchten, sind Sie bei Švankmajer genau richtig. Er drehte einen Film mit dem Titel Fleischliebe, das ist nur ein kleiner, einminütiger Film, sehr einfach, sehr kurz, in dem zwei Steaks tanzen und Sex haben, bevor sie gekocht werden.

Ich habe es als Student gesehen. Ich war wie, Ich wusste nicht, dass du das kannst. Es ist so seltsam und lustig und krank. Daher war die Idee, Puppen aus Fleisch herzustellen, sehr interessant. Und er ist so etwas wie der Papst dieser Art von Animation. Er ist wirklich ein Vorreiter, wenn es darum geht, die makabre Ader der Stop-Motion-Animation zu finden und sie wirklich auszunutzen.

Es gab andere. Vor ihm war Władysław Starewicz, ein Animator in den 20er Jahren. Er drehte einige ziemlich seltsame, makabre Filme mit Stofftieren, Insekten und solchen Dingen. Und Charley Bowers, ein amerikanischer Animator, verwendete ebenfalls in den 1920er Jahren ausgestopfte Ratten, Katzen und ähnliches. Es gibt also eine Tradition des makabren Stop-Motion-Films – aber Švankmajer trat in den Vordergrund und verkörperte dies mehr als jeder andere.

Das ist ein sehr schmatzender Film. Warum so übertrieben mit dem Sound? Was wollten Sie damit erreichen?

Einfach um ein sinnliches Erlebnis zu schaffen. Für mich ist Kino teilweise erzählerisch, aber auch Spektakel und Sinnlichkeit. Spüren Sie also die viszerale Qualität des Films – die Details im Bild wachsen mit den Details des Tons. Für mich sind 50 % des Filmerlebnisses der Ton. Deshalb wollte ich, dass der Ton genauso sinnlich und detailliert ist wie die Bilder. Es geht darum, ein Visual zu erstellen und sinnliches Erlebnis für den Betrachter.

Bewegung stoppen kommt am 23. Februar in die Kinos und wird ab dem 31. Mai auf Shudder gestreamt.

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• Quelle: https://www.polygon.com/24079628/stopmotion-movie-director-interview-stop-motion-animation-necromancy